Слово «искусство» (лат. ars, греч. téchne) в самом широком смысле
относится к любой развитой человеческой деятельности, которая основана
на знании, практике, восприятии, воображении и интуиции (искусство
врачевания, искусство публичной речи). В более узком смысле это
относится к результатам целенаправленной деятельности человека, не
имеющим четко определенных функций. По мнению Тасоса Зембиласа, процесс
формирования концепции искусства подвержен постоянным изменениям,
которые разворачиваются в динамических дискурсах, практиках и
институциональных инстанциях.
Искусство — это продукт
человеческой культуры, результат творческого процесса. Произведение
искусства обычно является конечным результатом этого процесса, но может
также представлять собой сам процесс или процедуру. Как и искусство в
целом, произведение искусства характеризуется взаимодействием содержания
и формы. Тех, кто занимается искусством в узком смысле, называют
художниками.
Первоначальное значение термина «искусство»
применялось ко всем продуктам человеческого труда (ср. мастерство), а не
к природе, как это можно видеть, например, в случае пластмасс,
искусственного питания, искусственных ароматизаторов и искусственного
интеллекта.
Однако со времен Просвещения искусство понималось
прежде всего как выражение изящных искусств:
Изобразительное
искусство с классическими жанрами живописи и графики, скульптуры,
архитектуры и несколькими малыми формами, а также, с XIX века,
пограничная область с искусствами и ремеслами, называемая прикладным
искусством, коммерческим искусством или прикладным искусством
Музыка
с основными категориями композиции и интерпретации вокальной и
инструментальной музыки, жанры музыки (по функции или инструментовке)
Литература с основными жанрами эпоса, драмы, поэзии и эссе
исполнительское искусство с основными дисциплинами: театр, танец и кино
Формы выражения и приемы в искусстве значительно расширились с
начала современности, например, с появлением фотографии в
изобразительном искусстве или с появлением комиксов как сочетания
изобразительного искусства с повествовательностью литературы. Сегодня
исполнительское искусство, музыка и литература также включают в себя
формы выражения из новых медиа, таких как радио, телевидение, реклама и
Интернет. Классическая классификация начала терять свое значение,
начиная с последних десятилетий XX века. Такие жанры искусства, как
инсталляция или медиа-арт, больше не следуют классической базовой
классификации.
Со времен Просвещения термин «искусство» использовался в основном в
более узком смысле как общий термин для обозначения эстетики,
охватывающей жанры искусства (изобразительное искусство, исполнительское
искусство, музыку и литературу) и их различные стили и направления.
Сопутствующие термины включают: Например, произведение искусства,
художник, художественный.[9] В данной статье мы рассмотрим эту концепцию
более подробно.
Термин «искусство» использовался и используется:
В отличие от природы
Уже у Аристотеля, но особенно в эпоху
Просвещения и ее нового понимания природы, искусство (греч. τέχνη,
téchnē) понимается как противоположность природе (греч. φύσις, physis),
как искусственное вместо естественного. Сегодня приставка
«искусственный» используется для описания «ненатуральных», т. е.
«искусственных», предметов и материалов: искусственный мех, пластик,
искусственные цветы, искусственные сердца, искусственные глаза и т. д.
В этом смысле все техники, которые укрощали, контролировали и
использовали природные стихии воды, огня, пара и земли, назывались
искусствами.
Первоначально водное искусство относилось к системам
водоснабжения и водоотведения, а позднее также к фонтанным системам.
Паровое искусство описывает использование давления пара во всех видах
промышленной техники, например, в паровом двигателе. Искусство горного
дела используется для разработки полезных ископаемых, а приспособления
для транспортировки грузов называются навыками вождения в горном деле.
В смысле знания, узнавания, понимания
Начиная с античной
философии, примером которой является «искусство акушерства» Сократа,
термин «искусство» с XVI века использовался не только для описания
знания, но и как синоним философии, а также (естественного) науки.
В смысле мастерства, ловкости, артистизма и мастерства
Имелись в
виду навыки («быть завершенным» в смысле «быть полностью обученным») в
рамках специализированной области, а также совокупность навыков
(фехтование, верховая езда, кулинария, целительство, арифметика, письмо,
искусство (живопись) или деятельность (ткачество, гончарное дело),
искусство умирать как синоним работы гробовщика, воспринималось как
«художественное мастерство». Эти искусства приобретают негативный
оттенок, когда они относятся к искусному обману (искусство воровства,
искусство украшения, черное искусство, искусство соблазнения или
искусство магии). Прилагательное «искусственный» также происходит от
значения «притворство».
В смысле ремесла и искусства и ремёсел
До XVIII века слово «искусство», произошедшее от древнегреческого слова
«техне», также использовалось как синоним занятия (техническим)
ремеслом. Те, кто демонстрировал эти особые познания (например, огненное
искусство создания фейерверков, водное искусство, горное искусство,
садовое искусство) или кто практиковал эти искусства как мастер, имели
звание мастера-художника. Это употребление сохранилось в выражении
«сделанный по всем правилам искусства» и в термине архитектура. Сегодня
в словосочетании «искусство и ремесла» по-прежнему присутствует слово
«ремесло», обозначающее изделие, изготовленное вручную. Наконец, вслед
за Кантом можно констатировать разделение понятий: «В более узком смысле
ремесло и искусство ясно различаются, хотя между ними нет недостатка в
тесном контакте, даже в слиянии [Искусства и ремесла]: искусство
отличается от ремесел, первое называется свободным искусством, другое
может быть названо также платным искусством.
С древних времен основы науки именуются «семью свободными
искусствами», состоящими из тривиума (грамматики, риторики, логики) и
квадривиума (арифметики, геометрии, музыки, астрономии).
Со времен
Лейбница научные дисциплины именовались «искусством языка (Grammatica),
искусством ораторского искусства (Rhetorica), искусством измерения
(Geometria), искусством доказательства (Logica), искусством морали
(Ethica), искусством зрение (Optica), искусство рассечения (Anatomia),
искусство разделения (Chymia) и т. д. «. Однако вскоре искусство стало
отличаться от науки. Гете говорит: «Искусство и наука — слова, которые
употребляются так часто, и точное различие между которыми редко
понимают; часто одно используют вместо другого, а затем предлагают
альтернативные определения: Я думаю, что науку можно определить как
знание общего, назовем его абстрактное знание, тогда как искусство — это
наука, используемая для действия. Наука была бы разумом, а искусство —
его механизмом, поэтому ее можно было бы также назвать практической
наукой. И тогда наука в конечном итоге станет теоремой, а искусство —
проблемой».
Понятие искусства в его наиболее распространенном сегодня смысле было сформулировано прежде всего Винкельманом, Лессингом, Гердером, Гете и Шиллером. В своих эстетических трудах они описывают человеческие творения в целях назидания как искусство, будь то театр, литература, музыка или работы «визуальных художников», до которых этот термин в конечном итоге все больше сужается. Таким образом, Kunst- также появился как префикс для таких словообразований, как художественная выставка, произведение искусства, художественный аукцион и т. д.
Искусство — это третий этап в развитии эстетических практик. На
первом этапе ранние представители рода Homo просто украшали, украшали
или иным образом эстетически оформляли предметы. Можно доказать, что
ручные топоры, возраст которых составляет 1,8 миллиона лет,
использовались с эстетической точки зрения.
Второй этап —
производство ювелирных изделий. Здесь изготавливаются предметы
специально для декоративных целей. К ним относятся 80-тысячелетние
раковины мидий из пещеры Бломбос в Южной Африке и из Марокко, которые
перфорированы и окрашены охрой. В отличие от простого эстетического
украшения, ювелирные изделия обычно имеют символическое значение и
служат повышению престижа своего владельца.
Древнейшие
свидетельства искусства еще моложе и появились всего около 40 000 лет
назад. В то время как символическое значение ювелирных изделий
ограничивается социальным статусом их владельца, символическое
содержание искусства выходит за рамки этого. Фигуративное искусство, в
частности, относится к чему-то внешнему, оно что-то представляет или
обозначает. Для этого требуется не только символическое мышление, но и
воображение, способность представить себе то, чего на самом деле нет в
данный момент.
Неясно, какую функцию выполняло раннее искусство:
было ли оно изначально религиозно-культовым или светским. Живопись и
скульптура, а также музыка и танцы появились уже в период палеолита.
Самыми ранними свидетельствами искусства являются почти 40 000-летние
фигурки из слоновой кости из долины Лоне и флейты из Гайсенклёстерле.
Наскальные и пещерные рисунки в Австралии и Индонезии почти одного
возраста. Они даже старше более известных наскальных рисунков во Франции
и Испании, например, из пещеры Шове.
Соответствующие по возрасту
свидетельства искусства в Центральной Европе и Австралии позволяют
предположить, что Homo sapiens был способен создавать произведения
искусства до того, как покинул Африку, а возможно, даже до этого, хотя
археологических свидетельств этого пока нет. Об этом также
свидетельствует совершенство мастерства, которое проявляется в
древнейших произведениях искусства с самого начала.
Исторически
искусство развивалось на основе его вклада в материальную организацию
культов и ритуалов. На заре развития человечества возникновение
искусства является одним из показателей формирования сознания и мышления
человека. В этом контексте искусство относится к видам деятельности или
представлениям (например, музыка, живопись), которые не несут никакой
непосредственной пользы для поддержания жизни.
У современных
коренных народов можно изучать раннюю культовую функцию художественных
форм выражения, а также антропологическую константу: потребность
украшать (себя), которая впервые проявилась в орнаменте. Также
обсуждаются социальные функции художественно или орнаментально
оформленных артефактов, таких как пряжки, фибулы, оружие и т. д. в
клановых обществах доисторического и раннего периода истории. Таким
образом, искусство также выполняло функцию отличительной черты с
древнейших времен, как об этом говорится в современной теории искусства
и социологии. С антропологической точки зрения возникновение искусства
около 40 000 лет назад (в ориньякский период) знаменует собой переход от
Homo sapiens к Homo sapiens intellectus. Поскольку доисторический период
по определению является дописьменной эпохой, то не существует никаких
записей о современной концепции искусства.
От ранних и поздних античных культур, от Древнего Египта до
классической Греции и позднего Рима, сохранилось множество произведений
искусства: архитектура, скульптуры, фрески и произведения малого
искусства. Однако само их название является анахронизмом, поскольку во
времена их создания живопись и скульптура считались не искусством, а
ремеслами, а их продукция считалась продукцией ремесленников, а не
художников. Театр уже тогда был высокоразвитым и уважаемым, но он
оставался неотъемлемой частью культовой деятельности.
В древности
свободные искусства (artes libertyres) относились к тем знаниям и
навыкам, которые должны быть доступны свободному человеку, но не рабу.
Марциан Капелла (около 400 г. н. э.) разделил в общей сложности семь
искусств на две группы: тривиум включал грамматику, диалектику и
риторику; Квадривиум включал геометрию, арифметику, астрономию и музыку.
Из изящных искусств в современном понимании музыка была единственным
видом искусства, который в древности признавался искусством. Низшими
ремеслами, с другой стороны, были механические искусства («artes
mechanicalae»), которые требовали ручного труда, включая живопись и
скульптуру. Однако в древности живопись и скульптура, а также искусство
врачевания (в афоризмах Гиппократа) также рассматривались как искусство
(téchne или ars mechanica), а не как чистая технология (epistéme).
Контраст (антагонизм) между искусством, которое возникает в первую
очередь из ума, и искусством, которое должно быть создано вручную, будет
проявляться по-разному в изобразительном искусстве на протяжении 2000
лет, от Парагона в эпоху Возрождения (конкуренция между формами
искусства, которую благороднейший из всех) к немецкому идеализму XVIII
века и его вкладу в современную концепцию искусства (которая
рассматривает технические возможности как не более чем банальный
инструмент для выражения художником своей идеи) к концептуальному
искусству 1960-х годов, которое полностью отделен от исполняемого
объекта.
С потрясениями эпохи Великого переселения народов античное искусство
в Европе фактически прекратилось. Однако средневековая концепция
искусства принимает схему artes mechanicalae, а также artes libertyes,
свободных искусств (философских) базовых исследований, которые
требовались на трех основных факультетах: теологии, юриспруденции и
медицины.
Художник по-прежнему остается ремесленником и, как и
все другие профессии, организован в гильдии. Он редко появляется как
индивидуальное произведение, а подпись под его работами необычна.
Церковь является заказчиком почти всех художественных произведений —
живописи, скульптуры, музыки, театра. В меньшей степени работы
заказывала также феодальная знать. Появляются мирские и сакральные формы
выражения, типы изображений, формы музыки и многое другое.
Если в
античности люди все еще придерживались натуралистического взгляда на
человека и старались максимально точно подражать природе, то в средние
века красота определялась духовным (религиозным) содержанием
изображения, поскольку схоласты признавали ее красотой Бог, который
отразился в искусстве, должен отражать.
Значение изобразительного искусства и творчества художника изменилось
в наше время с переходом к буржуазному обществу: там, где раньше
произведения в основном создавались по заказу церкви и знати, появился
новый тип получателя — образованный коллекционер произведений искусства.
Этот процесс впервые начинается в Италии в эпоху раннего Возрождения
и продолжается по всей Европе с середины XV века. Города крепнут, а
вместе с ними и торговцы, которые с помощью искусства демонстрируют свое
новое положение в феодальном обществе. Художник освобождается, открывает
себя как субъекта и создает произведения, главной целью которых уже не
является представление веры или власти князя, а экспертный спор о
замысле, исполнении и мастерстве, а искусство становится профессией. Это
создает сложнейшие иконографические образы и архитектурные программы,
разгадка которых становится задачей для художественной общественности.
Возникает новый литературный жанр: экфрасис, художественная литература,
писание о художниках и искусстве, а также созерцание («наслаждение
искусством») как часть художественного замысла. Теперь уже независимый
художник размышляет о своей роли, которая становится достоянием
общественности в изобразительном искусстве Paragone.
«Возрождение», подразумеваемое в термине «Ренессанс», относится к
возобновленной связи с классической античностью, на образе человека и
концепции природы которой основано художественное творчество. В музыке и
литературе процветают светские произведения. Реформация привела к
ослаблению роли Римско-католической церкви как важнейшего покровителя
художников, на что Тридентский собор ответил развернутой
контрконцепцией. Необходимость католической Контрреформации заложила
основу для бурного развития художественного творчества в музыке и
изобразительном искусстве в эпоху барокко.
Если в начале
современной эпохи произведение искусства служило для запоминания
«странных» вещей, то с распространением печатного станка оно утратило
эту функцию. В последующий период возникает проблема постоянной «утраты
новизны» в искусстве: с тех пор ему приходится снова и снова удивлять
новшествами. Это делает его автономной социальной подсистемой.
Во второй половине XVIII и начале XIX века, в эпоху Просвещения, в
образованных кругах начали обсуждать живопись, скульптуру и архитектуру,
а также литературу и музыку как искусство в современном смысле этого
слова. Объединяя темы, эстетика была создана как категория,
квалифицирующая произведения искусства в противовес безобразию. Свобода
стала идеалом для политики, науки, жанров литературы и искусства,
которые постепенно выделялись в самостоятельные области. Ремесленный
аспект художественного творчества утратил свое значение. В немецком
идеализме идея была важнее артефакта. Одной из важнейших предпосылок
этого процесса стала секуляризация, ускорившаяся с началом промышленной
революции.
Различие между литературой и искусством стало
результатом начавшейся незадолго до этого литературной дискуссии,
которая уже не касалась всех интеллектуальных произведений, а обобщала
романы, драмы и поэмы как литературу в изменившемся смысле этого слова.
В попытке привлечь более широкую аудиторию термин «искусство» изначально
сузили до картин и скульптур — объектов, которые представлялись и
оценивались в газетах и журналах, существовавших с начала XVIII века.
Появилась широко распространенная система рецензирования. Термины
«произведение», «оригинал» и «гений» как выражения индивидуальности
художника были введены Кантом. Проводилось различие между внутренними и
внешними образами. Внутренними образами были, например, язык, концепции
и идеи, тогда как внешними образами были обстановка, здания или изделия
ручной работы.
Следуя идее свободы, художник больше не обязан
заказчику, а творит независимо для нового зарождающегося рынка
искусства. С одной стороны, это означает, что темы меняются, и вместо
религиозных и мифологических мотивов, портретов и аллегорий теперь
появляются также описания рабочего мира зарождающегося индустриального
капитализма. С другой стороны, развиваются индивидуальные стили, которые
в конечном итоге становятся товарными знаками или, выражаясь современным
языком, маркетинговыми инструментами для конкурирующих художников. Даже
такие композиторы, как Моцарт, прощаются с постоянными должностями у
светских или церковных князей. Эта новая свобода сопряжена с
соответствующими рисками; следствием этого является романтический образ
обедневшего художника в сочетании с понятием гения.
Просвещение подготовило современную концепцию искусства. Если в конце
Средних веков художник эмансипировался в автономный субъект, то в конце
барочного феодализма произведение искусства эмансипировалось и стало
автономным. В эпоху машин, разделения труда и автоматизации статус
ремесла в искусстве изменился. Искусство больше не существует в
функциональных контекстах, а исключительно само по себе, становясь
искусством для искусства. Формы искусства, которые остаются в
функциональном контексте, объединяются под новым общим термином
прикладное искусство для искусств и ремесел.
Если в стилистике
обозначения стилистических периодов впоследствии привязывались к
соответствующему художественному творчеству, то теперь художники
формируют собственные категории во взаимодействии с недавно возникшей
художественной критикой. Многочисленные «измы», некоторые из которых
возникли параллельно, теперь больше похожи на краткосрочные термины
стиля, чем на концепции эпохи.
Значение женщин в искусстве
возрастает.
С началом современности приходит антагонизм
контрсовременности. До эпохи Просвещения аудитория искусства составляла
лишь очень узкий круг (духовенство, дворянство, богатая буржуазия), но с
появлением свободно доступного рынка произведений искусства, публичных
выставок (салонов), организованных для его продвижения, аудитория
расширилась, а также развернувшиеся в прессе дебаты об искусстве,
массовой литературе и т. д. В то же время художественные дебаты в
области изобразительного искусства, музыки и литературы все больше
концентрировались на изучении условий, в которых они создавались. В той
мере, в какой искусство стало фокусироваться на самом себе
(метаискусство), оно утратило интерес широких слоев общества, которые
оно на самом деле хотело повести за собой как авангард.
Если
раньше конфликты по поводу искусства оставались внутренними и носили,
например, патриотический характер (флорентийское Disegno против
венецианского Colore) или были вопросом вкуса (рубенисты против
пуссенистов, спор между Anciens et Modernes и т. д.), то теперь целые
слои общества отказываются принимать искусство своего времени.
Развивается контрмодернизм, который ищет свои формы выражения в
различных стилях, противостоящих современному искусству, например:
посредством неоклассического, другого историцистского или намеренно
анахроничного искусства. Это можно расценивать как протест против
принципов современного искусства.
Диффамация современного
искусства при национал-социализме вышла далеко за рамки этого протеста.
Нацисты пытались атаковать классический модернизм в целом с помощью
лозунга «дегенеративное искусство» и навязывали так называемое немецкое
искусство жестокими методами: через профессиональные запреты,
насмешливые представления, такие как в выставке «Дегенеративное
искусство», вплоть до убийства еврейских художников во время Холокоста.
С ноября 1936 года нацистский режим постепенно ликвидировал все отделы
искусства начала XX века в немецких музеях. В Советском Союзе авангарды
конструктивизма и супрематизма, которые все еще считались
революционными, появились в 1920-х годах. С наступлением сталинизма
антимодернистский рефлекс взял верх и привел к социалистическому
реализму в литературе, изобразительном искусстве и музыка.
В
соответствии с политическими противоречиями, последовавшими за фазой
тоталитаризма с 1930-х годов, в модернистскую эпоху конца 1950-х годов
развивались различные течения как современное движение сопротивления или
поставангард в 1960-х годах, как в западноевропейских, так и в
восточноевропейских кругах, которые выступал против и сопротивлялся
стандартизации, являвшейся результатом холодной войны и сталинизма в
Советском Союзе. Они продолжили традицию ранних современных салонов в
мегаполисах, но имели более обширную и связующе-посредническую функцию.
Из-за войн в Европе и Азии в 1930-х и 1940-х годах они получили лишь
ограниченный импульс в результате государственной реорганизации в 1950-х
годах.
Однако это жестокое подавление современных форм искусства
государством не то же самое, что недовольство некоторых слоев населения
современными художественными проявлениями (особенно в архитектуре).
Сосуществование различных стилей сегодня широко принято и создает
широкий художественный диапазон в современной мировой культуре, часто
понимаемой как либеральная, и парадигму одновременности, обусловленную
технической цифровизацией повседневной жизни.
Постмодернистский взгляд на искусство отчасти ставит под сомнение
идеи свободы, оригинальности и подлинности, сознательно использует
цитаты других художников и сочетает исторические и современные стили,
материалы и методы, а также различные жанры искусства. Мир искусства и
выставочные площадки исследуются с метауровня (Белый куб). Границы между
дизайном, поп-культурой и субкультурой, с одной стороны, и высокой
культурой — с другой, размываются.
Современное искусство,
искусство настоящего и подобные собирательные термины описывают
современное искусство лишь в самом общем виде. Термин «художественный
авангард» устарел для искусства, возникшего с началом постмодернизма,
поскольку в открытых обществах и культурах, скорее всего, не может быть
общеобязательных направлений для авангарда или для пионеров. Поэтому
термин «современное искусство» также используется для описания
художественных произведений, пространственных инсталляций или
процессуальных действий, которые делают что-то настолько ощутимым в
настоящем, что они оказывают культурно значимое влияние на будущее.
Свободное и современное искусство в этом смысле, кажется, игнорирует все
условия, академические правила и классификации, все художественные
стили, жанры и культурные границы, в то же время позволяя себе
осмысливать, редактировать и использовать их в качестве цитаты в
соответствии с художественными потребностями.
Такое искусство
представляет собой систему искусства, которая является результатом
взаимодействия нескольких инстанций, дискурсов, институциональных
субъектов и устоявшихся практик. Современное искусство как глобально и
межкультурно функционирующая система объединяет истоки в разных
культурах, историю искусств как теоретическую основу искусства, при этом
античная философия остается особенно важной как историческая основа для
западной художественной традиции. Современное искусство также позволяет
проявиться традиционным классификациям, таким как живопись, скульптура,
танец, музыка, театр и т. д., но именно для него характерны тематизация,
вопрошание, преодоление, расширение, междисциплинарная интеграция и
ирония. Сегодня фотография, видеопроекция и видеоинсталляция, окружающая
среда, пространственные инсталляции, хэппенинги и перформанс стоят рядом
с живописью и театром, а медиаискусства, включая кинетику и световое
искусство, среди прочих. В любом случае они позиционируют себя таким
образом, который кажется СМИ уместным и актуальным.
Параллельно с
этим развитием, в начале 1970-х годов взаимодействие между средствами
массовой информации, которые в то время были в значительной степени
разделены в узком понимании понятия искусства, между живописью и
фотографией, стало актуальным в истории искусства через работы Закрыты
фотохудожники Пьер Кордье (Chimigramme), Паоло Монти (Chemigramm) и
Йозеф Х. Нойманн (chemograms). В 1974 году хемограммы Йозефа Х. Ноймана
закрыли разрыв между живописным фоном и фотографическим слоем,
представив их в симбиозе, который никогда ранее не существовал, как
безошибочно узнаваемую уникальную часть в одновременной живописной и
реальной фотографической перспективе внутри фотографического слоя в
цвета и формы объединены.
Подобно науке, всестороннее понимание возможных значений произведений
и произведений искусства часто становится очевидным только благодаря
глубокому изучению художественного предмета. Он интерпретируется в
разных контекстах, которые меняются и различаются в зависимости от
зрителя и читателя, аудитории и участников события, а также интересов
критиков и других профессиональных посредников. Современная концепция
искусства интенсивно обсуждается в теории искусства. В центр
исследования помещаются художественные практики, процессы, институты и
деятели (художники, получатели, менеджеры, инвесторы/покупатели, ...), а
также сами произведения искусства.
Биология, социология искусства, психология, юриспруденция и культурология изучают вопрос о том, каковы биологические основы потребности человека в искусстве или какие психологические, социологические, экономические и политические функции искусство выполняет для человека и общества. Общие положения.
Быстрое развитие наук о жизни привело к исследованию высших
когнитивных способностей человека в биологических дисциплинах.
Потребность в художественном оформлении и эстетические чувства не
являются исключением. Биологические исследования, связанные с
искусством, проводятся, в частности, в эволюционной теории и нейронауке.
В эволюционной биологии поведение обычно объясняется селективным
преимуществом. Конкретно это означает, что людям, которые занимаются
искусством и ценят его, придется производить на свет больше потомства,
чем другим. Такая объяснительная модель не кажется сразу очевидной
применительно к искусству. Тем не менее, формы искусства можно
обнаружить во всех исторических периодах и культурных областях, что
свидетельствует о том, что потребность в искусстве заложена
биологически, а не является исключительно результатом социальной
обусловленности. Можно предложить несколько объяснений биологической
обусловленности потребности в искусстве. Наиболее вероятным критерием
отбора партнера является искусство. Эволюция человека характеризуется
увеличением объема мозга и, следовательно, когнитивных способностей.
Способность создавать произведения искусства — это внешне распознаваемый
признак креативности, который может также привести к креативным решениям
в других областях. У людей, у которых было время для искусства, не было
проблем с удовлетворением своих ежедневных потребностей в еде и
безопасности, потому что те, у кого есть запасы для по большей части
бессмысленных занятий, таких как искусство, в дополнение к своей
повседневной жизни, тем самым демонстрируют свою способность к
выживанию. Человек как социальное существо имеет многие разработали
механизмы для укрепления своих социальных общностей. Искусство также
может поддерживать человеческие сообщества, предоставляя специфические
для каждой группы традиции и ценности. Дополнительная гипотеза
предполагает, что потребность в искусстве является побочным продуктом
(эпифеноменом) развития других когнитивных способностей, имеющих
значение для выживания. Поэтому преимущества этих познавательных
способностей должны перевешивать недостатки, связанные с потребностью в
искусстве (время, материалы).
Подтверждение социобиологических
теорий посредством экспериментов невозможно, поскольку эксперименты по
скрещиванию с людьми неприемлемы с этической точки зрения. Поэтому
теории должны оставаться спекулятивными. В частности, трудно выделить
потребность в искусстве как продукте культурной эволюции.
В психологии творческий аспект искусства изучается посредством
исследований креативности, а аспект восприятия и оценки — посредством
экспериментальной эстетики.
Ценность искусства, по крайней мере в
значительной степени, заключается в выражении чувств.
Оценка
художественного произведения зависит от различных факторов. Например,
характеристики оценивающего человека (такие как его личность и вкус)
приводят к различным предпочтениям. Исследование, в котором приняли
участие более 90 000 человек, показало, что такие черты личности, как
открытость новому опыту, тесно связаны с предпочтениями в отношении
определенных картин и получением удовольствия от посещения
художественных галерей.
Оценка искусства не является ни полностью
последовательной, ни полностью независимой в разные эпохи: когда
историки искусства оценивают жизненный путь художников эпохи Возрождения
за 450 лет, степень согласия между оценками составляет приблизительно W
= 0,5 (возможные значения: от 0 до 1).
Показано, что в оценке
играют роль как дух времени, так и объективные характеристики
произведения, неподвластные духу времени. В ходе исследования 15 618 тем
из классической музыки была изучена важность объективных характеристик и
духа времени. Популярности темы в равной степени способствовали как
музыкальная оригинальность темы по отношению к современным ей
произведениям (дух времени), так и ее «абсолютная» оригинальность.
Аналогичные результаты были получены и в отношении языковой
оригинальности. Контекст, в котором представлено искусство, также играет
важную роль в его восприятии.
Нейробиология опирается на
биологические принципы при исследовании потребности в искусстве. Цель
состоит в том, чтобы соотнести художественное творчество с нейронными
процессами или различными нейронными областями. К этому следует добавить
колоссальную неоднородность художественной деятельности. Это приводит к
тому, что различные художественные достижения могут быть соотнесены с
различными нейронными процессами.
Зигмунд Фрейд видел в искусстве – как и в любой творческой деятельности – возможность сублимировать влечение либидо несексуальным способом. Однако в психоанализе термин «неискусство» также распространен и часто публично обсуждается и вызывает споры, например: Б. когда речь идет о демонстрации того, как люди осуществляют свою власть над животными. Например, в 2022 году в музее Вольфсбурга прошел перформанс Дэмиена Херста, в котором сотни мух вылуплялись в стеклянном ящике и погибали от электронной мухоловки.
Существуют изящные искусства, а также инженерное искусство,
ораторское искусство или дипломатия, художник по бальным танцам и, во
многих областях, художник в своей области. Что, в этом всеобъемлющем
смысле, является общим для всех видов искусства и что отличает
художников в соответствующих дисциплинах друг от друга? Искусство в этом
самом широком смысле — это творческая деятельность (и ее результат),
осуществляемая с наивысшей эффективностью; что, по сравнению с
использованными средствами, результат имеет максимально возможное
влияние. Когда эффект сопоставим, то не большее усилие, а сравнительно
более умеренное усилие более высоко ценится как искусство. Однако это не
означает, что инструменты должны быть простыми и скромными, или что
художнику всегда легко прийти к простейшему решению проблемы или
наиболее эффективному средству выражения.
Однако отдельные формы
искусства различаются по характеру оказываемого ими воздействия, и это
зависит от тематики. Целью инженерии является, например, B. устойчивый и
прочный мост, суть эссе - проницательный анализ, фокус изобразительного
искусства заключается прежде всего в пробуждении и стимуляции
эмоциональных переживаний. Многие виды деятельности можно практиковать
как искусство в самом широком смысле; Критериями здесь являются
креативность и эффективность.
Искусство — это явление в каждой культуре, объект социальных
условностей и — если общество развивает правовую систему — объект
законодательства. В демократических странах право на свободу творчества
либо закреплено в конституции, либо гарантируется как часть свободы
выражения мнений. В государствах с иной политической организацией
практика искусства часто регулируется и/или используется в
пропагандистских целях. Диктатуры часто используют искусство специально
для стабилизации своего режима. Свободное художественное самовыражение
подвергается цензуре и угрозе репрессий или фактически подвергается им.
Из-за таких репрессий художники не создают критических работ (ножницы в
голове), не публикуют их или отправляются во внутреннюю ссылку.
Некоторые художники принимают государственные, социальные и/или
религиозные требования и создают позитивные работы — из убеждений или
экономических ограничений.
Плагиат, имитация и работы, созданные
под сильным влиянием других художников, существовали и продолжают
существовать на каждом этапе истории искусства. Если производитель
скрывает свои оригиналы, это наказывается как подделка произведений
искусства, а также нарушение авторских прав. Для того чтобы сделать
такое нарушение юридически понятным, законодательный орган вводит
критерии, которые не играют никакой роли в самом мире искусства.
Например, с точки зрения авторского права художник может объявить
произведение своей собственностью только после того, как оно достигло
достаточного уровня творческой составляющей. Это предполагает личное,
индивидуальное и духовное (человеческое) творение, имеющее форму,
воспринимаемую человеческими чувствами.
В Германии свобода
творчества является одним из основных прав, защищаемых пунктом 3 статьи
5 Основного закона. С одной стороны, сами произведения искусства могут
пользоваться правовой защитой как культурные ценности посредством
национальных и международных правил и организаций (ЮНЕСКО, Голубой щит и
т. д.), а с другой стороны, могут также подвергаться правовым
ограничениям (запрет на экспорт, и т. д.).