• Домашняя
• Европа
• Восточная Европа
• Россия
• Центральная Россия
• Московская область
• Москва
• Центр-Запад

Государственный музей изобразительных искусств имени Пушкина, Москва

Описание

Адрес: Улица Волхонка 12

Телефон. (495) 697 9578
Метро: Кропоткинская
Открыт: 10.00-19.00 Вт-Вс
www.museum.ru/gmii

Государственный музей изобразительных искусств имени Пушкина является крупнейшим музеем европейского искусства в Москве, расположенным по улице Волхонка, напротив Храма Христа Спасителя. С 1981 года в музее Пушкина проходит Международный музыкальный фестиваль «Святослав Рихтер».

Современное название музея несколько вводит в заблуждение, поскольку оно не имеет прямых связей со знаменитым русским поэтом Александром Пушкиным, кроме как посмертное поминовение его имени и славы. Объект был основан профессором Иваном Цветаевым (отцом поэта Мариной Цветаевой). Цветаев убедил миллионера и филантропа Юрия Нечаева-Мальцова и модного архитектора Романа Клейна в срочной необходимости предоставить Москве музей изобразительных искусств. Пройдя несколько изменений, особенно в период перехода к советской эпохе и возвращении российской столицы в Москву, музей был, наконец, переименован в честь памяти Пушкина в 1937 году, в 100-летие со дня его смерти.

Здание Государственного музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина было разработано архитекторами Романом Клейном и Владимиром Шуховым и финансировалось главным образом Юрием Нечаевым-Мальцовым. Строительные работы начались в 1898 году и продолжались до 1912 года. Иван Рерберг возглавлял структурные инженерные работы на территории музея в течение 12 лет, до 1909 года.

В 2008 году президент Дмитрий Медведев объявил о планах восстановления, которое обошлось в сумму порядка $ 177 млн. Расширение в размере 22 млрд. Рублей (670 млн. Долл. США), разработанное Норманном Фостером в сотрудничестве с местной архитектурной фирмой «Моспроект-5», было подтверждено в 2009 году, но погрязло в спорах с официальными лицами и защитниками. Обеспокоенность росла тем, что она не будет завершена по графику на 2018 год После того, как главный архитектор Москвы Сергей Кузнецов дал ультиматум, требуя, чтобы Фостер принимал более активную роль в проекте и подтвердил свое обязательство, приехав в российскую столицу в течение месяца, фирма Нормана Фостера отказалась от проекта в 2013 году. В 2014 году русские архитектор Юрий Григорян и его фирма «Проект Меганом» были выбраны для реализации проекта. В ходе реконструкции будет сохранена историческая заправочная станция ​​1930-х годов возле главного здания Пушкина внутри стеклянной конструкции.

Этимология

Несмотря на свое название, музей не имеет прямого отношения к русскому поэту Александру Пушкину, кроме как посмертное поминовение. Учреждение основал профессор Иван Цветаев (отец поэта Марины Цветаевой). Цветаев убедил миллионера и мецената Юрия Нечаева-Мальцова и архитектора Романа Клейна в острой необходимости подарить Москве музей изобразительных искусств. После ряда изменений названия, особенно в период перехода к советской эпохе и возвращения российской столицы в Москву, музей был окончательно переименован в честь Пушкина в 1937 году, к 100-летию его смерти.

История

Предыстория идеи (1830–1890-е годы)
Мечта о музее изящных искусств в Москве возникла ещё в XIX веке. В 1831 году её высказывали княгиня Зинаида Александровна Волконская и профессор Степан Петрович Шевырёв. В 1858 году аналогичное предложение сделал профессор Карл Карлович Герц, а в 1864 году — директор Публичного и Румянцевского музеев Николай Васильевич Исаков. Однако проекты оставались на бумаге из-за отсутствия финансирования и поддержки.
Решающую роль сыграл Иван Владимирович Цветаев (1847–1913) — профессор кафедры теории и истории искусства Московского университета, доктор римской словесности, историк и археолог (отец поэтессы Марины Цветаевой). С 1893 года он неоднократно писал и выступал о необходимости создания в Москве общедоступного художественно-образовательного музея. В 1894 году на Первом съезде русских художников и любителей художеств Цветаев произнёс речь, призвав к созданию учебного музея, который бы иллюстрировал развитие искусства от древности через Средние века к Возрождению (по примеру «Кабинета изящных искусств и древностей» при университете).

Конкурс и строительство здания (1896–1912)
В конце 1896 года в печати опубликовали условия конкурса на проект здания Музея изящных искусств имени императора Александра III при Московском университете. Конкурс проводила Петербургская Академия художеств по просьбе университета; условия разработал сам Цветаев. Из 19 проектов победил проект молодого московского архитектора Романа Ивановича Клейна (1858–1929) в неоклассическом стиле — здание в виде античного храма с высоким подиумом, ионической колоннадой и портиком. Инженерные работы возглавил Иван Иванович Рерберг, а уникальные стеклянные перекрытия (для естественного освещения) спроектировал Владимир Григорьевич Шухов.
Первый камень заложили 17 (29) августа 1898 года на месте бывшего Колымажного (Конюшенного) двора на Волхонке в присутствии Николая II и членов императорской семьи. В тот же день создали Комитет по устройству музея (добровольная организация для сбора средств и помощи университету). Председателем стал великий князь Сергей Александрович, заместителем — главный меценат Юрий Степанович Нечаев-Мальцов (промышленник, оплативший большую часть строительства), секретарём — Иван Цветаев. Другие спонсоры: князья Юсуповы, Фёдор Шехтель, Варвара Алексеева и др.
Строительство длилось 14 лет (1898–1912). В 1904 году случился сильный пожар, уничтоживший часть построек и более 175 ящиков гипсовых слепков. Реконструкцию полностью профинансировал Нечаев-Мальцов. Здание завершено к 1912 году: неогреческий стиль, анфилады залов, Итальянский и Греческий дворики для слепков, египетские залы, библиотека. Внутренняя отделка — под руководством Игнатия Нивинского.

Открытие музея (1912 год)
31 мая (13 июня) 1912 года состоялось торжественное открытие Музея изящных искусств имени императора Александра III. На церемонии присутствовали Николай II, его мать Мария Фёдоровна и дочери. Первым директором стал Иван Цветаев (до 1913 года). Музей задумывался как учебный: основой экспозиции стали тысячи тонированных гипсовых слепков со скульптур Античности, Средневековья и Возрождения (заказанные Цветаевым в Европе), а также подлинники — древнеегипетская коллекция Владимира Голенищева (приобретена в 1909–1911), античные вазы, итальянские иконы XIII–XIV веков и др. Посещаемость была высокой: 700–800 человек в будни, до 2500 в выходные.

После революции 1917 года и советский период
После 1917 года музей национализировали и в 1924 году вывели из-под университета, переименовав в Государственный музей изящных искусств (с 1932 — Государственный музей изобразительных искусств). В 1920–1930-е годы коллекция активно пополнялась оригиналами: картинами из Румянцевского музея, собраний Остроухова, Брокара, Щукина, Шувалова, Юсуповых, Государственного музейного фонда, Эрмитажа и др. В 1937 году музею присвоили имя А. С. Пушкина.
В годы Великой Отечественной войны (1941–1945) большую часть фондов эвакуировали в Новосибирск и Соликамск. Здание пострадало от бомбардировок (разбиты стеклянные перекрытия Шухова, в западном фасаде остались выбоины от осколков). Музей стоял под открытым небом три года. Восстановление началось в 1944 году, экспозицию открыли 3 октября 1946 года.
В 1948 году после расформирования Государственного музея нового западного искусства в ГМИИ передали значительную часть собраний Ивана Морозова и Сергея Щукина — шедевры французских импрессионистов и постимпрессионистов (Моне, Ренуар, Сезанн, Гоген, Ван Гог, Матисс, Пикассо и др.). Это сделало музей одним из главных центров западноевропейского искусства XX века в СССР.

Послевоенное развитие и современность
С 1961 по 2013 год директором была Ирина Антонова (затем президент до 2020), при которой музей стал площадкой для легендарных выставок («Москва — Париж», «Джоконда» Леонардо, Пикассо и многие другие). В 1991 году музей включили в Государственный свод особо ценных объектов культурного наследия России.
В 2006 году открылась Галерея искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков (в левом флигеле усадьбы Голицыных на Волхонке) — там теперь основные шедевры импрессионистов и модернистов. Главное здание сосредоточилось на древности и старых мастерах.
С 2017 года музей развивает направление «Пушкинский XXI» — современное российское и западное искусство (выставки, образование, исследования). Сегодня комплекс включает Главное здание, Галерею, Отдел личных коллекций, Музей-квартиру Александра Родченко и Варвары Степановой, Центр художественной культуры «Пушкинский XXI» и другие филиалы. Коллекция охватывает Древний Египет, Античность, европейскую живопись VIII–XXI веков, графику, скульптуру, декоративно-прикладное искусство и нумизматику.
Музей остаётся не только хранилищем, но и живым культурным пространством: образовательные программы, лекции, выставки мирового уровня. Его история — это пример частной инициативы, меценатства и государственной поддержки, превратившей мечту одного профессора в национальное достояние.

Архитектура

Главное здание (ул. Волхонка, 12)
Это центральное сооружение музея, построенное в 1898–1912 годах специально как Музей изящных искусств имени императора Александра III. Автор проекта — московский архитектор Роман Иванович Клейн (1858–1924). Он выиграл конкурс 1896 года, обойдя 17 конкурентов. Инженерное руководство осуществлял Иван Иванович Рерберг, а уникальный стеклянный свод спроектировал гениальный инженер Владимир Григорьевич Шухов.

Стиль и общий облик
Здание выполнено в неоклассическом (неогреческом) стиле и сознательно стилизовано под античный храм. Оно стоит на высоком подиуме (цоколе), по фасаду идёт величественная ионическая колоннада — точная, но увеличенная копия восточного портика Эрехтейона на афинском Акрополе. Это последнее крупное здание в Москве, где использованы чистые неогреческие элементы. Фасад облицован светлым уральским мрамором особой морозостойкости (добыт на Урале, обработан в Норвегии и доставлен по воде). Центральная парадная лестница выложена разноцветным венгерским мрамором.

Фасадные детали
Над колоннадой — широкий фриз с рельефами, изображающими сцены Олимпийских игр (работа скульпторов Гуго Залемана, И. И. Мормоне и Леопольда Армбрустера).
Портик увенчан треугольным фронтоном с акротериями.
Стеклянная крыша (конструкция Шухова с арочными стяжками) обеспечивает верхнее естественное освещение залов — это было революционным решением для музеев того времени.

Планировка и интерьеры
Внутренняя планировка подчинена экспозиции (идея И. В. Цветаева):
Второй этаж — анфилада залов для античной скульптуры.
Залы первого и второго этажей стилизованы под эпохи экспонатов.

Ключевые интерьеры:
Вестибюль — в египетском стиле (прообраз — лестница Эрмитажа).
Греческий дворик — открытое пространство с элементами Акрополя, Парфенона и Эрехтейона.
Итальянский дворик — воспроизводит внутренний двор флорентийского Палаццо Барджелло.
Белый зал — копия интерьера Парфенона с двухъярусными колоннадами и апсидой; потолок имитирует храм Ники Аптерос.
Декоративные росписи и панно выполнены под руководством художника Игнатия Игнатьевича Нивинского (с участием Клавдия Степанова).

Здание оснастили электричеством и вентиляцией сразу после постройки. В 1904 году случился пожар, но здание восстановили на средства главного мецената Юрия Нечаева-Мальцова.

Галерея искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков (ул. Волхонка, 14)
Это второй по значению корпус, открытый в 2006 году (после реконструкции). Здание — левый флигель усадьбы князей Голицыных (1759–1766, архитектор С. И. Чевакинский, позже перестраивался). Архитектура — классицизм XVIII века с элементами барокко, светлый фасад, строгие окна, характерная для московских усадеб того периода. Внутри — современные музейные пространства, адаптированные под импрессионистов и XX век.

Музейный квартал и другие корпуса
Музей активно развивается в рамках проекта «Музейный квартал» (концепция архитектурного бюро «Меганом» под руководством Юрия Григоряна, выбранного в 2013 году после отказа от проекта Нормана Фостера). Планируется превратить квартал между Волхонкой, Кропоткинской и Боровицкой площадью в единый музейный городок с новыми корпусами (депозитарий, реставрационные мастерские, общественные пространства — «агора»). Новые здания выдержаны в серых тонах, чтобы гармонировать с главным корпусом.

В комплекс также входят:
Усадьба Вяземских — Долгоруковых (Малый Знаменский пер., XVIII век) — на реконструкции.
Дом Текста (1913 год) — промышленная архитектура начала XX века.
Мусейон (Колымажный пер., усадьба конца XVIII — начала XX вв.) — центр для детей.
Мемориальная квартира Святослава Рихтера (современная высотка на Большой Бронной).

Советы туристам

1. Как добраться
Адрес главного здания: ул. Волхонка, 12 (метро «Кропоткинская» — 5 минут пешком).
Галерея: ул. Волхонка, 14 (также рядом с «Кропоткинской»).
Музей расположен напротив Храма Христа Спасителя — удобно совместить прогулку по набережной или визит в храм.
Метро: «Кропоткинская» (Сокольническая линия) — самый удобный вариант. От «Боровицкой» или «Парка культуры» — 10–15 минут пешком.
Автобус/троллейбус: остановки «Храм Христа Спасителя» или «Музей изобразительных искусств».
Такси/каршеринг: удобно, но в часы пик возможны пробки. Парковки у музея нет — только платная уличная (бесплатно по воскресеньям и праздникам). Велопарковка есть на площади перед музеем (сезонно).
Рекомендую приезжать на метро — центр загружен.

2. Режим работы (актуально на 2026 год)
Главное здание и Галерея:
Вт, Ср — 10:00–20:00 (вход до 19:00)
Чт — 10:00–21:00 (вход до 20:00)
Пт — 11:00–21:00 (вход до 20:00)
Сб — 10:00–21:00 (вход до 20:00)
Вс — 10:00–20:00 (вход до 19:00)
Пн — выходной.

Вход и продажа билетов прекращаются за час до закрытия.
Мемориальная квартира Святослава Рихтера (Большая Бронная, 2/6): другие часы (ср–сб с 14:00).
Учебный музей им. И.В. Цветаева (Миусская пл.): пн–пт 10:00–17:00 (бесплатно для всех).
Режим может меняться в праздники — проверяйте на официальном сайте перед визитом.

Лучшее время для посещения: будние дни (вт–чт), особенно утром. В выходные, праздники, школьные каникулы и в первые/последние дни выставок — много народу.

3. Билеты и цены
Обязательно покупайте билеты онлайн заранее на официальном сайте tickets.pushkinmuseum.art (продажа открывается в 12:00 за 2 недели). Электронный билет даёт ускоренный проход по сеансам (30-минутный интервал входа). Не опаздывайте — при опоздании вход только в живую очередь при наличии мест (возврат в день посещения невозможен).
В кассах — только в день визита, в живую очередь (может быть долго).
Цены (примерно, на постоянную экспозицию):
Полный — 700 ₽ (Главное здание / Галерея).
Льготный — 500 ₽.
Комбинированный (оба здания, только будни) — 1200 ₽.
Некоторые временные выставки — дороже (800–900 ₽).

Бесплатно (или льготы): дети до 6 лет, многодетные, инвалиды, студенты художественных вузов, пенсионеры 60+ (граждане РФ) — каждый четверг на постоянную экспозицию (бесплатные билеты тоже онлайн). Полный список льгот — на сайте.
Возврат электронного билета возможен до 23:59 дня накануне.
Совет: берите комбинированный, если планируете оба здания в один день (они рядом).

4. Что посмотреть в первую очередь (рекомендуемый маршрут 2–4 часа)
Главное здание (древнее искусство и старые мастера):
Египетский зал (саркофаги, мумии).
Зал Трои (золото Шлимана).
Греческий и Итальянский дворики (слепки античных статуй, включая Давида Микеланджело).
Залы Рембрандта, Рубенса, Боттичелли, Кранаха.

Галерея XIX–XX веков (обязательно!):
Импрессионисты: Моне («Завтрак на траве»), Ренуар, Дега («Голубые танцовщицы»).
Ван Гог («Красные виноградники»), Гоген, Матисс («Красные рыбы»), Пикассо («Девочка на шаре»).
Совет: начните с Главного здания, потом перейдите в Галерею. Не пытайтесь увидеть всё за один раз — музей огромный. Используйте бесплатные аудиогиды в приложениях izi.TRAVEL, ARTEFACT или Smartify (с AR-элементами).

Текущие выставки (проверяйте на pushkinmuseum.art — они меняются): в апреле 2026, например, «Ларионов / Гончарова», «Beatrice Sandomirskaya» и другие.

5. Правила и практические советы
Гардероб обязателен: верхнюю одежду, большие сумки (>30×40×20 см), зонты, еду и напитки сдавайте (бесплатно). Очереди бывают в холод и выходные.
Фотографировать можно (без вспышки, штатива и монопода, любительски). Запрещены фотосессии и коммерческая съёмка без разрешения.
Нельзя: трогать экспонаты, есть/пить в залах, громко разговаривать, звонить по телефону, входить в верхней одежде.
Дети: до 12 лет — под присмотром взрослых. Музей выдаёт маленькие коляски (ограниченно).
Продолжительность: планируйте 2–3 часа минимум. Приходите днём на ранний сеанс, если хотите спокойно осмотреть.
Приоритетный вход: для инвалидов, пожилых 70+ и некоторых категорий (со стороны Колымажного переулка или Малого Знаменского переулка).
Важно: сохраняйте билет и браслет для повторного входа в тот же день.

6. Услуги и инфраструктура
Бесплатный Wi-Fi («Museum_free» — регистрация по SMS).
Аудиогиды (платные через партнёра или бесплатные в приложениях).
Кафе: в Галерее (без билета), в Главном здании может быть временно закрыто.
Магазин: книги, сувениры, репродукции (в обоих зданиях).
Доступность: коляски, трости, кресла-коляски (ограниченно, выдаются на инфостойке).
Экскурсии: групповые и индивидуальные (бронируйте заранее).

7. Полезные лайфхаки
Скачайте билет на телефон заранее (интернет в музее не везде).
В будни билеты дешевле и меньше людей.
Если планы изменились — верните билет онлайн.
Рядом: Храм Христа Спасителя, Кремль, Патриаршие пруды, Арбат — отличный маршрут на день.
Следите за обновлениями на pushkinmuseum.art (бегущая строка о изменениях).

Коллекция

Искусство Древнего Египта (залы 1–2, цокольный этаж)

Оформление зала
Зал оформлен в стиле древнеегипетского храма по проекту архитектора Романа Ивановича Клейна (автора всего здания музея). Потолок расписан в характерной египетской манере (звёздное небо, стервятники), ложные балки поддерживают изящные колонны в форме связки стеблей папируса. Клейн вдохновлялся колоннами перистильного двора храма Амона в Луксоре. Сразу при входе посетитель погружается в особую торжественную атмосферу, как будто попадает в древний храм или гробницу. Это не просто выставочное пространство, а продуманная реконструкция, созданная ещё при открытии музея в 1912 году.

История коллекции
Коллекция насчитывает около 600–800 подлинных экспонатов (цифры в разных источниках немного разнятся) и охватывает все основные периоды истории Древнего Египта — с VI–V тысячелетия до н.э. (додинастический период) до IV века до н.э. (поздний и раннеримский периоды). Большая часть экспонатов экспонируется с самого открытия музея в 1912 году и происходит из одной из лучших в мире частных коллекций — собрания русского египтолога и востоковеда Владимира Семёновича Голенищева (1856–1947). В 1909 году музей приобрёл у него более 6000 предметов — это стало первым крупным поступлением подлинников в историю ГМИИ.

Дополнения:
В 1911 году меценат Ю. С. Нечаев-Мальцов подарил два фаюмских портрета, золотую диадему, деревянную ладью с гребцами и статую бога Харпократа.
В 1913 году куплены рельефы у Л. И. Гинзбурга (в т. ч. процессия плакальщиков).
В 1920-е годы поступления из Музея-института классического Востока, частных коллекций (Б. В. Фармаковский, Т. Н. Бороздина-Козьмина и др.).
В 1940 году — коллекция А. В. Прахова (217 экспонатов).

Позднее коллекция пополнялась дарениями, закупками и материалами раскопок, но основа остаётся голенищевской. Многие предметы — это погребальный инвентарь из гробниц, предназначенный для «вечной жизни» в загробном мире.

Что представлено в коллекции (по периодам)
Экспозиция выстроена хронологически и тематически (погребальный культ, скульптура, рельефы, быт, божества). Вот ключевые группы и шедевры:

Додинастический период (VI–IV тыс. до н.э., культуры Нагада I–III)
Самые древние предметы: каменные орудия труда (VI–V тыс. до н.э.).
Шиферные палетки для растирания краски для глаз.
Глиняные расписные сосуды (в т. ч. овальная миска с изображением обнажённого мужчины, держащего на привязи четырёх собак).
Навершия булав правителей, костяная пластинка-ярлык с именем Хор-Аха (возможно, первого фараона Менеса).

Древнее царство (XXVIII–XXII вв. до н.э.)
Известняковые блоки-релефы из мастаб (гробниц) вельмож: Изи, Мерит, Тепеманха, Хииу, Хени и Хенену.
Монументальная каменная скульптура и архитектурные фрагменты.

Среднее царство (XXII–XVIII вв. до н.э.)
Деревянный саркофаг Шепсипумина (из сикоморы, облицованный кедром).
Фрагмент (верхняя часть) статуи фараона Аменемхета III (один из шедевров).
Деревянные модели ладей с гребцами (витрина 4).
Магический жезл из кости гиппопотама.

Новое царство (XVI–XI вв. до н.э.)
Статуэтки жреца Аменхотепа и жрицы Раннаи (из эбенового дерева — абсолютные шедевры коллекции, стоят в отдельных витринах).
Косметическая ложечка в виде плывущей девушки с цветком лотоса в руках (Новое царство).
Рельеф с процессией плакальщиц (из коллекции Гинзбурга).
Саркофаг Маху (XVIII династия, XIV в. до н.э.) с позолоченной маской и инкрустированными глазами.
Саркофаг Иусанх (XXI династия, X в. до н.э.) с яркой росписью на жёлтом фоне, апотропеями и изображением богини Запада.

Поздний период (VII–IV вв. до н.э.) и эллинистическо-римское время
Статуэтки божеств (Осирис, Исида, Харпократ, Хор, Нефертум, Тот) из бронзы, камня, фаянса, серебра.
Мумия молодой женщины с сетчатой накладкой из фаянсовых бусин.
Мумия кошки.
Фаюмские портреты (музей обладает одной из лучших коллекций в России — около 22 экземпляров; энкаустика или темпера на деревянных досках, I–IV вв. н.э.).
Папирусы, амулеты, украшения, сосуды, предметы быта и погребального культа.

Дополнительно
В зале также представлены предметы массового производства — жертвенные дары из гробниц, которые должны были обеспечить умершему благополучие в загробном мире. Коллекция подчёркивает центральную роль погребального культа в египетской культуре: вера в бессмертие, магию, ритуалы и загробную жизнь.

Искусство Древнего Ближнего Востока и Троя (залы 2–3)

Зал 2. Искусство Древнего Ближнего Востока (ранее Ассирийский зал)
Зал легко узнаваем с момента открытия музея в 1912 году благодаря монументальным гипсовым слепкам ассирийских рельефов и статуй, которые И.В. Цветаев заказал в европейских мастерских. Долгое время зал назывался Ассирийским, так как слепки были главными экспонатами. Со временем сюда добавили подлинники, и он получил современное название — «Искусство Древнего Ближнего Востока». Сегодня здесь собраны памятники не только Передней Азии, но и Египта, Закавказья и Средней Азии. Хронологический охват — около 7500 лет (от конца VII тысячелетия до н.э. до первых веков н.э.). Это одна из самых «сложных» для восприятия экспозиций музея: археологические сенсации, клинопись, глиптика и ритуальные предметы требуют внимательного изучения.

Ключевые особенности оформления и слепки:
У входов в зал «охраняют» гипсовые слепки крылатых быков с человеческими головами (ше́ду) из дворца Саргона II в Дур-Шаррукине (конец VIII в. до н.э., слепки из Лувра) и крылатого льва из Кальху.
На стенах — слепки рельефов из Северо-Западного дворца Ашшурнацирапала II в Кальху (первая половина IX в. до н.э., слепки из Британского и Переднеазиатского музеев).
В центре зала, как при открытии музея, возвышается слепок стелы с кодексом законов вавилонского царя Хаммурапи (XVIII в. до н.э.).

Подлинные экспонаты (по хронологии и разделам):
Неолитическая расписная керамика (конец VII–V тыс. до н.э.) — древнейшие находки из раскопок Института археологии АН СССР на холмах Ярым-тепе I и II (Северный Ирак). В витринах 1, 2, 5 и 15 — сосуды с геометрическими, растительными орнаментами и изображениями животных. Два сосуда уникальны и не имеют аналогов в мире; один (витрина 5) демонстрирует использование поворотного механизма — предшественника гончарного круга.
Период шумерских городов-государств (конец IV–III тыс. до н.э.) — алебастровый сосуд с рельефными изображениями быков и колосьев (витрина 14), а также начало клинописи.
Клинописная коллекция (витрины 7, 9, 13) — одна из значимых в музее. Таблички с хозяйственными, юридическими, религиозными и литературными текстами из Месопотамии. Среди шедевров: единственная в мире глиняная табличка с текстом двух шумерских элегий; каменные таблички правителя Лагаша Гудеа (XXII в. до н.э.); фрагмент его статуи. Также закладные гвозди, булавы, кирпичи с надписями (в т.ч. Навуходоносора II).
Глиптика (печати) (витрины 3 и 11) — от конца IV тыс. до н.э. до начала н.э. Печати из кости, фаянса, полудрагоценных камней (Шумер, Аккад, Хеттское царство, Вавилония, Ассирия, Урарту, Сирия, Иран). Изображения животных, людей, божеств, мифологических сцен.
Царство Урарту (IX–VII вв. до н.э.) — находки экспедиций ГМИИ, Академии наук Армении и Эрмитажа. Фрагменты монументальных росписей из дворца Аргишти I в Эребуни (VIII в. до н.э., город, давший название Еревану). В витринах 10 и 11 — урартские памятники из Эребуни и Тейшебаини. На подиуме у входа — огромный карас (сосуд для вина).
Искусство Восточного Средиземноморья — финикийская каменная скульптура и стеклянные изделия (I тыс. до н.э. — первые века н.э., витрина 12), демонстрирующие синкретизм восточных и античных традиций.
Кипр (II–I тыс. до н.э.) (витрина 6) — керамика (веретенообразный кувшинчик ок. 1600–1200 до н.э., большая амфора VIII–VII вв. до н.э. с двуцветной росписью), терракотовые и каменные статуэтки (VI–IV вв. до н.э.), включая посвятительные фигурки жриц святилища Афродиты-Астарты.
Парфянское царство (II–I вв. до н.э.) (витрина 4) — ритоны из слоновой кости из Старой Нисы (Туркменистан), найденные в 1948 году. Использовались для ритуальных возлияний; яркий пример восточного эллинизма.

Зал 3. Троя и раскопки Генриха Шлимана («Золото Трои» / «Сокровище Приама»)
Зал полностью посвящён сенсационным находкам немецкого археолога-любителя Генриха Шлимана, проводившего раскопки на холме Гиссарлык (современная Турция) в 1872–1890 гг. Здесь хранится 259 предметов из 13 кладов (из 17, найденных Шлиманом и хранившихся в Берлине). В 1945 году коллекция была вывезена в СССР как трофей; с 1990-х годов она доступна публике. Часть вещей (преимущественно бронза и глина) находится в Эрмитаже. Датировка — в основном Троя II (ок. 2400–2200 до н.э.), что значительно раньше «гомеровской» Трои (Троя VII, XIII–XII вв. до н.э.).
Экспозиция представляет клады A, B, D, E, F, Ha, Hb, J, K, L, N, O, R и отдельные находки. Предметы размещены в витринах; особое внимание — золотым и серебряным изделиям.

Главные шедевры (в основном из клада A — самого крупного, 183 предмета, из них 101 здесь):
Две золотые диадемы (Большая и Малая) — самые знаменитые. Состоят из сотен мельчайших деталей и подвесок в форме «идолов». Предположительно принадлежали царице или жрице (витрины 8–9).
Серьги в форме корзиночек с цепочками и подвесками-«идолами», височные кольца, браслеты, шейные гривны, низки бус из золотых бусин и подвесок разной формы (витрина 7). Украшения скреплены сургучными печатями Шлимана.
Антропоморфные сосуды из серебра (витрина 1) — выкованы из цельного листа, со съёмными «головками»-крышками. Вероятно, для благовоний и ароматических масел.
Уникальный золотой ладьевидный «соусник» (или «соусница») с двумя носиками-сливами (витрина 14). Ритуальный сосуд без точных аналогов; следы долгого использования и ремонта.
Шаровидный золотой сосуд с узким горлом (витрина 6) — возможно, подвешивался в сетке.
Браслет из клада F (витрина 4) — с спиральным орнаментом и розетками.
Булавка из клада O — украшена шестью миниатюрными золотыми амфорами.

Клад L (найден в 1890 г., незадолго до смерти Шлимана):
Четыре ритуальных топора-молотка (витрина 15): один из лазурита, три из нефрита и жадеита. Орнаментированы шишечками и валиками, следы позолоты. Парадные предметы высочайшего качества.
Изделия из горного хрусталя (витрина 16): навершия жезлов/мечей, круглые «линзы» (возможно, накладки, игральные фишки или даже увеличительное стекло).
Коллекция часто называется «Золотом Трои» или «Сокровищем Приама» (хотя связь с Приамом из «Илиады» мифологическая). В зале есть медиаэкспонаты и видеоролики, рассказывающие о Шлимане и контексте находок.

Античное искусство (Греция, Кипр, Этрурия, Рим; залы 4–5, Греческий дворик)

Зал 4. Античное искусство. Кипр. Древняя Греция. Этрурия. Древний Рим
Зал разделён на четыре тематических раздела, которые последовательно знакомят с художественными центрами античного Средиземноморья. Экспозиция построена хронологически и типологически, с акцентом на керамику, мелкую пластику и скульптуру.

1. Искусство Древнего Кипра (витрины № 12–14)
Кипр — остров на перекрёстке торговых путей Восточного Средиземноморья — отразил влияние разных культур. Здесь представлены:
ранние сосуды с красным покрытием (конец III — начало II тыс. до н. э.);
микенские идолы и статуэтка богини с двойными кольцами-серьгами (XIII в. до н. э.);
обширная коллекция терракотовых фигурок (богини, воины, мужчины и женщины с раскрашенными глазами, губами и причёсками, VII–VI вв. до н. э.);
керамика с геометрическим орнаментом (полосы, круги);
единственный образец монументальной скульптуры — голова бородатого бога (начало V в. до н. э., на постаменте).

2. Искусство Древней Греции (витрины № 1–11, 13, 19–21)
Самый богатый раздел — коллекция расписной керамики от микенского периода до эллинизма.
Микенские сосуды XIV–XIII вв. до н. э. с линейным декором (витрина № 1).
Геометрический (IX–VIII вв.) и ориентализирующий (VII–VI вв.) стили: кратеры из Аргоса, чаши из Беотии, коринфские арибаллы и пиксиды, родосский динос со сфинксом, клазоменская гидрия.
Бронзовые треножники и протомы грифонов/сирен (витрина № 1).
Чернофигурная техника (VI в. до н. э.): амфора с Гераклом и Кербером, фрагменты с Персеем.
Краснофигурная техника (конец VI–IV вв. до н. э.): шедевры Аттики и Южной Италии с мифологическими сценами (кратер мастера Виллы Джулия с Гермесом и младенцем Дионисом, амфора Полигнота с Эос).
Белогрунтовые лекиты V в. до н. э. для погребений (витрина № 7).
Эллинистические терракоты (танагрские статуэтки) — девушки, юноши, Афродита с Эротом (витрины № 9–10).
Скульптура представлена скромно, но качественно:
статуэтка юноши (Аполлон из Навкратиса, вторая четверть VI в. до н. э., алебастр);
герма бородатого бога (V в. до н. э., римская копия);
аттическая надгробная стела всадника (70-е гг. V в. до н. э.);
голова богини из Александрии (III в. до н. э.).

3. Искусство Этрурии и других народов Италии (витрины № 15–17, 19–24)
Этруски — ключевой народ Италии (VII–VI вв. до н. э.), повлиявший на Рим.
Керамика: импasto (VIII–VII вв.), чёрный буккеро (VII–VI вв.), черно- и краснофигурные вазы.
Терракотовые антефиксы с Горгонами (апотропеи).
Бронза: статуэтки воинов, зеркала, декоративные пластины.
Представлены также вазы других италийских народов (пелигны, давны, сицилийские терракоты) и особенно Магна Греция (греческие колонии Южной Италии): апулейские краснофигурные вазы с многофигурными сценами, канозские изделия с плачущими женщинами и масками Горгоны.

4. Искусство Древнего Рима (витрины № 26–27)
Раздел подчёркивает декоративно-прикладное искусство повседневной жизни: стекло, керамика, мозаики, фресковые фрагменты, бронзовая утварь, рельефы.
Монументальная пластика: статуя тогатуса (I в. н. э., без головы).
Римский портрет (лучшие образцы): юноша эпохи Августа (нач. I в.), портрет Траяна (нач. II в.), бородатый мужчина антониновского времени (III четверть II в.).
Надгробие женщины из Пальмиры (середина II в., единственный памятник периферии).
Рельефы саркофагов (II–IV вв.): овальный саркофаг с дионисийскими сценами (ок. 210 г., один из самых известных в музее), саркофаги с апофеозом и поздние христианские мотивы («История Ионы», «Поклонение волхвов», нач. IV в.).

Зал 5. Искусство Северного Причерноморья
Зал посвящён результатам археологических раскопок музея в греческих колониях и Боспорском царстве (Пантикапей, Фанагория, Гермонасса, Тиритака, Неаполь Скифский и др.). Экспонаты отражают греко-варварский синтез.
Центральный объект — мраморный акротерий IV в. до н. э. из Фанагории.
Надгробия, рельефы (хоровод нимф в архаистическом стиле, 200–150 гг. до н. э.).
Керамика: керченские пелики с амазонками и грифонами, краснофигурные сосуды, мегарские чаши, чернолаковая посуда.
Терракоты (включая головку сатира из Малой Азии, местные мастерские Фанагории).
Монеты, скульптурная голова бородатого мужчины (II пол. IV в. до н. э.), портретная статуя Неокла — правителя Горгиппии (римский период, центр зала).
Находки из Пантикапея: ионийская керамика VI в., ванна с фризами, полихромная штукатурка, надписи.

Греческий дворик (зал 14)
Один из самых больших и красивых залов музея, созданный по замыслу основателя И. В. Цветаева. Здесь экспонируются гипсовые слепки (не подлинники!) классической греческой скульптуры и архитектуры V–IV вв. до н. э.:
слепки статуй и рельефов Парфенона (447–432 гг. до н. э.) — метопы, фриз, фронтоны;
портик храма Эрехтейон в натуральную величину (кариатиды);
портик храма Гефеста (Тесейон) на Афинской агоре;
макет Афинского Акрополя.

Пол трёхъярусный, имитирующий рельеф Акрополя. Зал даёт представление о величии афинской классики и служит архитектурно-скульптурным продолжением античной экспозиции.

Эллинистический и римский Египет, коптское искусство (зал 6)

Исторический контекст коллекции
Экспонаты охватывают период IV века до н.э. — IV века н.э. (греко-римский Египет) и IV–VIII века н.э. (коптское искусство). После завоевания Египта Александром Македонским (332 г. до н.э.) и включения в состав Римской империи (30 г. до н.э.) в египетское искусство активно проникали греческие и римские пластические приёмы, но сохранялись традиционные погребальные практики. Это время синкретизма: египетские боги (Осирис, Анубис) соседствуют с эллинистическими портретами и римской модой. Большая часть коллекции происходит из собрания выдающегося русского египтолога Владимира Семёновича Голенищева (1856–1947), приобретённого музеем в 1909 году.

В зале представлены:
Погребальные маски и портреты,
Саркофаги и пелены,
Мумии,
Коптские ткани — всего несколько десятков предметов, но они дают яркое представление о позднем египетском искусстве.

Основные экспонаты греко-римского периода
Саркофаг Хора-Онуфрия (IV–I вв. до н.э., Фивы, дерево, краска) — один из ярких примеров позднего египетского саркофага. Он сохраняет традиционную форму и роспись с изображениями богов и текстов, но уже ощущается влияние эллинистического стиля.
Гипсовые маски мумий (I–II вв. н.э., в том числе из Туна эль-Гебель и Меира). Эти маски клали поверх пелены на лицо мумии, чтобы «поднять» голову умершего и подчеркнуть идею возрождения в загробном мире. Они реалистичны, как римские скульптурные портреты: глаза часто инкрустированы стеклянной пастой, причёски соответствуют римской моде. Одна маска птолемеевского периода (I в. до н.э., картонаж, краска, позолота, стекло).
Фаюмские портреты — настоящая жемчужина зала. Музей хранит 22 портрета (одно из лучших собраний в мире; всего в мире известно около 900). В экспозиции обычно выставлено 6 (экспозиция может варьироваться из-за реставрации). Портреты писали энкаустикой (восковыми красками) или темперой на тонких кипарисовых дощечках и прикрепляли к мумии поверх пелены вместо маски. Они датируются I–IV вв. н.э. и показывают эволюцию от позднеантичного иллюзионизма (живые, выразительные лица) к раннехристианской условности. Коллекция включает портреты мужчин, женщин и детей с ярким колоритом, сложной светотенью и индивидуальными чертами. Один из самых известных — портрет мужчины в синем плаще (вторая половина I в. н.э.).
Погребальные пелены (саваны) — три экземпляра римского времени (II в. н.э.). Они заменяли саркофаг: на льняном полотне темперой и клеевыми красками изображали самого умершего в окружении богов (Осирис, Анубис), с магическими текстами. Особенно знаменита погребальная пелена с изображением женщины, держащей за руку мальчика (II в. н.э., лён, грунт, клеевая краска). Это один из всего шести сохранившихся в мире саванов такого типа (предположительно из Саккары). Возможно, мать и сын умерли одновременно. Ещё одна пелена — с изображением молодой женщины. Эти памятники уникальны по сохранности и иконографии.
Мумия женщины (римский период) — наглядный пример мумификации того времени: позолоченная маска, бинты уложены в декоративные ромбовидные кассеты с бронзовыми бляшками.

Коптское искусство (IV–VIII вв. н.э.)
В зале выставлена небольшая часть богатейшей коллекции коптских тканей (всего в музее их сотни). Копты — египетские христиане, и их текстиль найден в погребениях. Это туники, шали, завесы, покрывала, скатерти из льна или шерсти с декоративными вставками шерстяными нитями. Мотивы разнообразны: геометрические и растительные орнаменты, животные, птицы, сцены охоты, мифологические персонажи и библейские сюжеты (например, сцены из жизни святого Иосифа). Ткани делятся на двухцветные (пурпурные) и полихромные (яркие, насыщенные цвета). Изображения несли благопожелательную и охранительную символику. В экспозиции можно увидеть ткани с всадниками, воинами, виноградной лозой, птицами, бегущим воином с копьём.

Атмосфера и практические советы
Зал небольшой, но насыщенный — витрины с мумиями, саркофагами, портретами и тканями создают ощущение погружения в загробный культ. Экспозиция обновлялась (в частности, в 2007 году). Есть виртуальный тур 2014 года на сайте музея, а также проект реставрации знаменитой пелены II века. В 2020 году вышел путеводитель по залу (автор О. А. Васильева).
Коллекция — отличный пример того, как египетская традиция бессмертия встретилась с греко-римским реализмом и раннехристианским символизмом. Если вы в Пушкинском, обязательно зайдите в зал 6 после египетского зала № 1 — контраст будет очень сильным. Экспозиция может немного меняться, но основные шедевры (фаюмские портреты и редкие пелены) всегда на виду.

Византийское искусство и Италия VIII–XVI веков (зал 7)

История зала и экспозиции
В первоначальном проекте музея (начало XX века) зал планировался как «запасный». С 1924 по 1963 год здесь находился Гравюрный кабинет. Позже он использовался для временных выставок и экспозиции античных подлинников (с 1977 года). С 2007 года зал получил современное название и посвящён византийскому и итальянскому искусству. В 2024 году прошла масштабная реэкспозиция (куратор — доктор искусствоведения Виктория Маркова, главный научный сотрудник отдела старых мастеров). Число экспонатов увеличено почти вдвое: к живописи добавили скульптуру, декоративно-прикладное искусство и нумизматику. Фон стал светло-бежевым, раскрыли аркады — зал стал просторнее и «воздушнее», но с сохранением церковной, сакральной атмосферы. Многие работы прошли реставрацию (например, «Мадонна с Младенцем» школы Пьетро Перуджино вернулась после долгой реставрации).
Экспозиция построена хронологически и тематически: от ранних византийских влияний (VIII–XIII вв.) через средневековые итальянские «примитивы» (XIII–XIV вв.) к расцвету Возрождения (XV–XVI вв., особенно Флоренция и Венеция). Основная идея — показать переход от иконописной условности и золотого фона к реализму, перспективе, анатомии и гуманизму Ренессанса. Многие работы — алтарные образы (иконы, полиптихи, триптихи), созданные для храмов, поэтому зал ощущается как небольшая церковь или капелла.

Основные разделы коллекции и ключевые экспонаты
Коллекция включает живопись на дереве и холсте (темпера, масло, позолота), мозаики, скульптуру и прикладное искусство. Многие предметы поступили из Эрмитажа, ГИМ, Румянцевского музея, частных собраний (Щекин, Строгановы, Шуваловы) в 1920–1930-е годы.

1. Византийское искусство и его влияние на Италию (VIII–XIII вв.)
Ранние мозаики римских мастеров (VIII–XIII вв.): «Голова Мадонны», «Младенец Христос» (1296, Якопо Торрити) и другие фрагменты. Они демонстрируют технику смальты и классическую византийскую иконографию.
Монументальные итальянские иконы XIII века под сильным византийским влиянием:
Круг Коппо ди Марковальдо. «Мадонна с Младенцем на троне» (с 17 клеймами жития Богоматери). Дерево, темпера, позолота.
Пизанский мастер. «Мадонна с Младенцем на троне» (ок. 1280).
Эти работы — типичные «Madonna in trono», где Богоматерь изображена величественно, на троне, с золотым фоном.

2. Итальянское Средневековье и формирование школ (XIV в.)
Полиптихи и триптихи — многочастные алтарные композиции. В центре обычно Мадонна с Младенцем, на створках — святые. Примеры:
Марко Венециано. «Мадонна с Младенцем на троне с донаторами и ангелами» (нач. XIV в.).
Симоне деи Крочифисси. «Благовещение» (нач. 1380-х).
Лоренцо Монако. «Мадонна с Младенцем и ангелами (Мадонна Смирения)» (1405–1410).
Работы венецианских и сиенских мастеров (Нери ди Биччи, Маттео ди Джованни и др.).

3. Раннее Возрождение и Высокое Возрождение (XV–XVI вв.)
Здесь — шедевры флорентийской и венецианской школ, где появляется перспектива, объём, портретность и античные мотивы.
Сандро Боттичелли (два панно из «Благовещения», 1495–1498): «Архангел Гавриил» и «Дева Мария». Изящные, воздушные фигуры — классика раннего флорентийского Возрождения.
Тициан Вечеллио. «Се, Человек!» («Ecce Homo!», ок. 1575–1576) — драматичная поздняя работа, возвращённая после реставрации (2016–2019). Также портреты и другие произведения.
Паоло Веронезе. Произведения (включая «Воскресение» или подобные), иллюстрирующие венецианский колорит и пышность.
Другие выдающиеся работы:
Джованни Антонио Больтраффио. «Портрет юноши в образе святого Себастьяна» (конец 1490-х).
Анджоло Бронзино. «Святое семейство с младенцем Иоанном Крестителем (Мадонна Строганова)» (ок. 1540).
Работы мастерской Лоренцо ди Креди («Мадонна с Младенцем, маленьким Иоанном Крестителем и ангелами») и школы Пьетро Перуджино — добавлены/возвращены в 2024 году.
Леандро Бассано. «Моление о чаше».
Парис Бордоне, Бернардино Личино, Джампетрино и др.

4. Дополнения 2024 года
Скульптура (итальянская XV–XVI вв.), декоративно-прикладное искусство, нумизматика (в т. ч. византийские монеты) — они обогащают контекст живописи, показывая материальную культуру эпохи.

Атмосфера и посещение
Зал небольшой, но очень атмосферный: золотые фоны икон, религиозные сюжеты, приглушённое освещение создают ощущение сакрального пространства. Это идеальное место, чтобы проследить эволюцию от «византийского» плоскостного стиля к реализму Возрождения. Многие работы — редкие «итальянские примитивы», которых мало в российских музеях.
Экспозиция постоянно обновляется, но ядро (Боттичелли, Тициан, ранние иконы) остаётся. Для полного погружения возьмите аудиогид или экскурсию. Зал входит в маршрут по первому этажу Главного здания (рядом — залы античности и итальянский дворик с гипсовыми слепками).

Искусство Германии и Нидерландов XV–XVI веков (зал 31 и др.)

Местоположение и история зала
Основная живописная часть экспонируется в зале 31 (на планах иногда обозначается как зал 8 первого этажа, с акцентом на имена Кранах — Артсен — Бекелар). Зал был переоткрыт после реэкспозиции в 2021 году с обновлёнными этикетками (указаны provenance — история владения и год поступления в музей). Ранее здесь могли быть временные выставки или запасники.
Рядом (зал 27, второй этаж) — нидерландская и немецкая скульптура XV–XVI веков (в основном гипсовые слепки, заказанные основателем музея И. В. Цветаевым).
Коллекция формировалась из национализированных частных собраний (князя П. П. Вяземского из Остафьево, А. Брокара, Д. И. Щукина, графов Потоцких, герцогов Лейхтенбергских и др.), а также из Эрмитажа и послевоенных трофейных поступлений (из немецких музеев).

Исторический и художественный контекст
XV–XVI века в Северной Европе — время перехода от поздней готики к Возрождению. В отличие от Италии, где ориентировались на античность, здесь главную роль играла масляная живопись (нидерландцы довели её до совершенства), реализм деталей, символика и интерес к земному миру как творению Бога.
Многие работы анонимны (мастера XV века работали в цехах).
В Германии искусство тесно связано с Реформацией (Мартин Лютер, 1517), «новым благочестием» и гуманизмом.
В Нидерландах развиваются портрет, религиозные сцены с бытовыми деталями и ранний жанр (рынки, кухни).
Экспозиция показывает становление художественной культуры Нового времени: от готической духовности и аристократизма — к реализму, психологизму и гуманизму.

Ключевые произведения живописи (зал 31)
Коллекция невелика по объёму, но высокого качества и хорошо иллюстрирует разные направления.
Лукас Кранах Старший (1472–1553) — центральная фигура немецкого Возрождения, придворный художник саксонских курфюрстов. В музее несколько его работ:

«Мадонна с младенцем» (Мадонна в виноградной беседке), ок. 1520–1523 (из Эрмитажа, 1930). Символика очень насыщенная: виноград — кровь Христова, решётка беседки — крест, колодец — чистота Девы Марии, гора на фоне — символ веры. Композиция чуть «суховата» и графична по сравнению с итальянскими мадоннами.
«Грехопадение» (Адам и Ева), 1527 (из Музея замка Фриденштайн, Гота, 1946) — яркий пример светского заказа. Райский сад — типичный немецкий хвойный лес, множество животных (Кранах любил изображать зверей из-за придворных охот).
«Женский портрет», ок. 1526 (из Курпфальцского музея, Гейдельберг, 1946) — психологичный образ почтенной матери семейства.
«Плоды ревности» (из собрания Д. И. Щукина, 1924) — аллегория на античный сюжет о Серебряном веке (по Гесиоду), с элементами мифологии и морали.

Нидерландские мастера (Фландрия/Нидерланды):
Питер Артсен (1508/09–1575) — «Христос и самарянка», ок. 1543–1545 (из Остафьево, собрание Вяземского, 1935). Религиозная сцена с выраженными жанровыми элементами — предтеча натюрмортов и бытовых сцен.
Иоахим Бекелар (Бейкелар, ок. 1533–1574) — «На рынке», 1564 (дар Н. П. Колопанова, 1892/1924). Один из ранних примеров «рынков» и кухонных сцен — жанр, где религиозный сюжет отходит на задний план, а на переднем — быт и продукты.
Арт ван ден Босхе (ок. 1470–1505) — «Святой Криспин с двумя представителями цеха сапожников» (части створок алтаря, 1492, холст, масло; из собрания Потоцких, 1969). Редкий памятник поздней готики с цеховым заказом.
Ян Госсарт (Мабюзе, ок. 1478–1532) — «Мужской портрет», ок. 1530.
Адриан Томас Кей (ок. 1544 – после 1589) — «Мужской портрет», 1573.
Изак Клас ван Сваненбург (1537–1614) — «Портрет девочки», 1584 (из собрания Брокара).
Мастер легенды о Святом Георгии (круг, Кёльн, 1460–1490) — створки алтаря «Благовещение. Поклонение младенцу» и «Святой Эгидий» (из Остафьево, Вяземский, 1930). Типичные позднеготические алтарные панели.
Мастер из Франкфурта (1495–1515) — «Легенда о мощах святого Ромуальда».
Корнелис Массейс (1510/11–1560/61) — «Отдых на пути в Египет».
Франс Флорис (1519/20–1570) — «Аллегория мира и правосудия».
Ханс Зюс фон Кульмбах (ок. 1480–1522) — «Ангел» (створка домашнего органа, 1519, из Остафьево).

Также в зале — резные деревянные рельефы немецких мастеров XVI века («Снятие с креста», «Поругание Христа» из собрания Брокара), портреты и мелкие алтарные фрагменты. Многие работы поступили в 1924–1935 гг. из национализированных коллекций.

Скульптура (зал 27)
Здесь в основном гипсовые слепки с оригиналов североевропейских мастеров переходного периода (конец Средних веков — начало Возрождения).
Выделяются работы Тильмана Рименшнейдера (ок. 1460–1531, участник Крестьянской войны) и Эразма Грассера (ок. 1450–1518).
Экспозиция подчёркивает контраст между церковной властью и растущими земными, гуманистическими ценностями. Рядом могут быть представлены предметы мебели и декоративно-прикладного искусства эпохи.

Значение коллекции
Хотя собрание не такое обширное, как в Эрмитаже или европейских музеях, оно даёт цельное представление о Северном Возрождении: от готической символики и религиозного заказа — к психологическому портрету, жанровым элементам и светским сюжетам.
Особенно ценны работы Кранаха (несколько первоклассных полотен) и нидерландские «рынки» Артсена/Бекелара, предвосхищающие жанровую живопись XVII века.
Коллекция позволяет сравнить Север и Юг Европы в эпоху Возрождения прямо в одном музее (итальянский раздел — по соседству).

Фландрия XVII века (зал 10)

Исторический контекст и общая характеристика фламандской школы
В XVII веке Фландрия (Южные Нидерланды, современная Бельгия) находилась под властью Испании. После долгой войны за независимость страна переживала экономический и политический кризис, но именно тогда наступил золотой век фламандской культуры. Национальная школа живописи сложилась вокруг Питера Пауля Рубенса — «короля художников и художника королей». Фламандцы — непревзойдённые колористы: их полотна поражают яркостью красок, плавными переходами тонов, динамичными гибкими мазками и чувством движения.

Для фламандского барокко характерно:
Сочетание реального и воображаемого: мифологические или религиозные сцены выглядят как живая реальность, а натюрморты и пейзажи, написанные с натуры, художники превращают в поэтический, придуманный мир.
Разнообразие жанров: портреты, жанровые сцены, натюрморты, пейзажи, исторические и мифологические композиции.
Символизм: часто скрытый или явный (например, натюрморты Снейдерса отсылают к четырём стихиям природы; цветы в гирляндах — к добродетелям и страданиям Христа, Марии и святых).
Масштаб: от огромных алтарных полотен до «кабинетных» картин малого формата для частных коллекций знатоков.

Экспозиция подчёркивает именно это богатство: от монументальных работ Рубенсовской школы до интимных жанровых зарисовок.

Ключевые художники и наиболее значимые произведения в зале
Питер Пауль Рубенс (1577–1640) — центральная фигура зала и всей школы.

«Вакханалия» (ок. 1615) — одна из самых ярких картин музея. Дионисийский разгул: пьяные сатиры, нимфы и путти в вихре движения. Полотно полностью написано самим мастером (что подтверждено реставрацией и рентгеном). Оно демонстрирует фирменный рубенсовский динамизм, пышные формы и ослепительный колорит.

Якоб Йорданс (1593–1678) — второй после Рубенса гигант фламандского барокко, мастер мощных, «земных» фигур и народного юмора.

«Сатир в гостях у крестьянина» (ок. 1621–1623) — иллюстрация басни Эзопа. Сатир удивляется двуличию человека (дует на руки, чтобы согреть, и на похлёбку, чтобы остудить). Картина полна грубоватого юмора, плотных объёмов и тёплого колорита. Недавно вернулась в постоянную экспозицию.

Антонис ван Дейк (1599–1641) — ученик Рубенса, блестящий портретист, позже придворный художник английского короля.

«Леди д’Обиньи и графиня Портленд» (конец 1638 — начало 1639) — изысканный двойной портрет двух аристократок. Элегантные позы, утончённые лица, роскошные ткани и аристократическая сдержанность. Шедевр, недавно возвращённый в зал.

Франс Снейдерс (1579–1657) — ведущий мастер натюрморта, часто сотрудничал с Рубенсом.

«Рыбная лавка» и «Мясная лавка» — грандиозные «рынки», символизирующие стихии воды и земли. Горы рыбы, дичи, фруктов и овощей написаны с невероятной фактурностью и аппетитностью.
«Натюрморт с лебедем» (1640-е) — один из самых эффектных примеров.

Ян Вильденс (1586–1653) — пейзажист, мастер гармоничных видов с фигурами людей.
Его полотна показывают идеальное равновесие природы и человека.
Давид Тенирс Младший (1610–1690) — король фламандского жанра.
Маленькие, полные добродушного юмора сценки деревенской жизни.
Даниэль Сегерс (1590–1661) и Эразм II Квеллин (1607–1678) — совместная работа.

«Мадонна с Младенцем Христом, святой Елизаветой и Иоанном Крестителем, окружённые цветами» — цветочная гирлянда вокруг священной группы. Цветы здесь — не просто украшение, а символы христианских добродетелей и страстей.

Ян Брейгель Старший (1568–1625) и Питер Брейгель Младший — мастера «кабинетных» картин и пейзажей.

Зимний пейзаж с птичьей западнёй и другие небольшие, тщательно проработанные композиции.

Адам Франс ван дер Мейлен (1632–1690) — впервые в постоянной экспозиции представлены его малоформатные батальные сцены.

Общее впечатление от зала
Экспозиция компактная, но очень насыщенная. Зал передаёт дух фламандского барокко: энергию, чувственность, любовь к жизни и материальному миру. Посетители отмечают, как полотна «оживают» благодаря богатству цвета и динамике. Рядом (в зале 10) — Рембрандт и голландская школа, что позволяет сразу сравнить два «золотых века» — фламандский (пышный, католический, барочный) и голландский (более сдержанный, протестантский, реалистичный).

Рембрандт и голландское искусство XVII века (зал 11)

Исторический контекст (как представлено на официальной странице зала)
Голландия (Республика Соединённых провинций Северных Нидерландов) в XVII веке обрела независимость после долгой национально-освободительной войны против католической Испании. Это была первая буржуазная республика Европы с новыми социальными отношениями. Протестантская церковь почти не заказывала религиозных картин для храмов, поэтому искусство переориентировалось на светские жанры: бытовые сцены, портреты, пейзажи и натюрморты. Художники черпали сюжеты из реальной жизни бюргеров, крестьян и природы. Многие произведения несли дидактический или морализаторский подтекст (vanitas — суета сует, бренность земного).
Экспозиция зала 11 подчёркивает разнообразие голландской живописи: от «малых голландцев» (небольшие по формату, камерные полотна) до монументальных пейзажей. После реэкспозиции 2021 года этикетки обновлены — теперь они содержат историю provenance (происхождения) и дату поступления в музей.

Основные жанры и ключевые художники в зале 11
Зал представляет «малых голландцев» — художников, которые подробно и поэтично изображали повседневность. Вот основные разделы:
Бытовой жанр (жанровые сцены):
Глубокий интерес к укладу жизни среднего класса. Спокойные, гармоничные интерьеры с мягким светом, сдержанной цветовой палитрой и часто скрытым нравоучением.
Питер де Хох (Pieter de Hooch) — один из ярчайших представителей. Примеры: «Больное дитя» (1670–1674) или «Материнские заботы» — светлые комнаты, материнство, уют.
Герард тер Борх (Gerard ter Borch) и Габриэль Метсю (Gabriel Metsu) — изысканные сцены чтения писем, музицирования, вышивания (например, «Девушка за вышиванием» Метсю).
Ян Стен (Jan Steen) — сатирический акцент, комические или нравоучительные сюжеты (например, «Весёлая компания» или сцены с выпивкой).
Адриан ван Остаде (Adriaen van Ostade) — крестьянские сцены, часто юмористические.

Пейзаж:
Любовь к скромной природе Голландии, воздушная перспектива, серебристо-серые тона, естественное освещение.
Хендрик Аверкамп (Hendrick Avercamp) — зимние пейзажи с конькобежцами на льду (пример: «Зимний пейзаж», ок. 1620).
Ян ван Гойен (Jan van Goyen) — речные виды, например «Вид реки Ваал у Неймегена» (1649).
Саломон ван Рейсдал (Salomon van Ruysdael) и Якоб ван Рейсдал (Jacob van Ruisdael) — один из величайших пейзажистов: динамичные композиции с борьбой стихий, плотные цвета, ощущение весомости форм.

Натюрморт:
Расцвет жанра. Художники передавали красоту обыденных вещей, фактуры, свет и часто символику бренности.
Питер Клас (Pieter Claesz) и Виллем Хеда (Willem Heda) — «завтраки» и «банкетные натюрморты» в мягких серо-коричневых тонах (пример: «Завтрак» Класа, 1646).
Виллем Калф (Willem Kalf) — виртуозные поздние натюрморты с роскошными предметами, богатством красок и фактур.
Юриан ван Стрек (Juriaen van Streeck) — классический «vanitas» («Суета сует», 1670, 98×84 см) — символический натюрморт с часами, черепом, цветами и т.д., выражающий идею бренности и христианскую надежду на воскресение.

Религиозные и исторические сюжеты (с дидактическим смыслом):
Хендрик Голциус, Франс Халс, Питер Ластман (учитель Рембрандта), Леонарт Брамер, Бартоломеус Бренберг — картины с моральным подтекстом, хотя и не для церквей.

В зале также представлены портреты (например, работы Адриана Ханнемана или учеников Рембрандта) и произведения школы Рембрандта (Гербрандт ван ден Экхаут, Фердинанд Бол, Карел Фабрициус, Филипс Конинк, Арт де Гелдер — последний ученик, продолжавший традиции до XVIII века).

Рембрандт в контексте зала (соседний зал 10)
Хотя официально шесть подлинных картин Рембрандта Харменса ван Рейна (1606–1669) выставлены в зале 10, они логически продолжают тему голландского XVII века и часто упоминаются вместе с залом 11. Это ядро всей голландской коллекции Пушкинского музея:
«Изгнание торгующих из храма» (1626) — ранняя, динамичная работа с сильными эмоциями.
«Неверие Фомы» (1634) — драматичный свет, чудесное явление Христа.
Портреты позднего периода: «Портрет старушки» (нач. 1650-х), «Портрет старика» (1654), «Портрет старушки» (1654) — тончайшая психологическая глубина, мягкие мазки, свет и тень.
«Артаксеркс, Аман и Эсфирь» (1660) — одно из самых знаменитых поздних произведений: яркая Эсфирь в центре, моральная драма.

В зале 10 также работы учеников и последователей Рембрандта.

Атмосфера и впечатление от зала
Зал небольшой, интимный — типичный для «малых голландцев». Картины висят плотно, в скромных рамах, при мягком освещении. Вы словно заглядываете в голландский бюргерский дом XVII века: тишина, порядок, поэзия обыденного. Контраст с пышной фламандской живописью (зал 10 рядом) очень сильный — голландцы более сдержанные, реалистичные, демократичные.
Коллекция сформировалась в основном из частных собраний (Щукин, Третьяков и др.) и поступлений из Эрмитажа после революции. Многие работы имеют богатую историю владения, которая теперь отражена на этикетках.
Если вы планируете визит: зал находится на первом этаже Главного здания (ул. Волхонка, 12). Лучше осматривать после зала 9 (Фландрия XVII в.) или в комплексе со старыми мастерами. Виртуальная экскурсия 2014 года (упоминается на сайте) даёт представление о старой развеске.
Зал — отличный пример, как голландцы превратили повседневность в высокое искусство. Здесь нет грандиозных мифов, но есть невероятная человечность, свет и внимание к деталям. Рекомендую уделить время каждому натюрморту и интерьеру — они «оживают» при долгом рассматривании!

Искусство Италии, Испании и Франции XVII–XVIII веков (залы 16–23 и выше)

Зал 17. Искусство Италии XVII–XVIII веков (эпоха барокко и рококо)
XVII век — «золотой век» итальянского барокко: динамичный, чувственный, полный движения и драматизма, с акцентом на образ человека. Стиль ярче всего проявился в грандиозных ансамблях Рима, Неаполя, Генуи и Венеции. XVIII век — переход к рококо: более легкий, декоративный, с поэтичными пейзажами и галантными сценами.

Ключевые произведения и мастера:
Пьетро да Кортона — «Возвращение Агари» (станковая картина, где барокко получает почти классическую строгость).
Неаполитанская школа: Бернардо Каваллино («Изгнание Илиодора из храма»), Андреа Ваккаро («Мария и Марфа»).
Лука Джордано (один из самых динамичных мастеров) — «Аполлон и Марсий», «Брак в Кане Галилейской», «Мучение святого Лаврентия», грандиозная аллегория «Любовь и пороки обезоруживают Правосудие».
Генуэзская школа: Бернардо Строцци («Чудесное насыщение пятью хлебами и двумя рыбами», «Аллегория бренности (Старая кокетка)» — влияние Рубенса и Тициана).
Болонская и миланская традиции: Джузеппе Мария Креспи («Святое Семейство», «Нимфы, обезоруживающие амуров»), Алессандро Маньяско (гротескные сцены монашеской жизни: «Распятие», «Трапеза монахинь», «Вакханалия» с меланхоличным оттенком).
Венецианский расцвет XVIII века: Джованни Баттиста Тьеполо (алтарь «Мадонна с Младенцем и святыми», эскизы «Смерть Дидоны» и «Двое святых» — Максим и Освальд). Ведуты и каприччо: Каналетто, Бернардо Беллотто, Микеле Мариески, Франческо Гварди (поэтичные, почти фантазийные виды Венеции). Джанантонио Гварди — «Александр Македонский у тела персидского царя Дария» (шедевр).

Зал 18. Испанское и итальянское искусство XVII века
Здесь представлен «диалог» испанского Золотого века (Siglo de Oro) и итальянского барокко XVII века. Испанское барокко — более суровое, реалистичное, с тенабризмом (резкий светотеневой контраст), религиозной интенсивностью и бытовыми мотивами. Итальянские работы (Гвидо Рени и др.) создают контраст.
Ключевые испанские мастера (вернулись после реэкспозиции 2024 года):
Эль Греко, Луис де Моралес.
Франсиско де Сурбаран (религиозные композиции, в т.ч. «Мадонна с Младенцем», «Благословляющий младенец Христос»).
Бартоломе Эстебан Мурильо («Бегство в Египет», жанровые сцены вроде «Девочка-продавщица фруктов / Крестьянская девочка с корзиной» — один из самых «итальянских» испанцев).
Итальянские акценты: Гвидо Рени («Поклонение пастухов», «Святая Вероника», «Иосиф и жена Потифара»). Зал подчёркивает культурный обмен: испанцы учились у итальянцев (особенно Караваджо), но сохраняли национальную строгость и реализм.

Залы 21–23. Искусство Франции XVII–XVIII веков (с переходом в начало XIX в зале 23)
Французская школа здесь — от строгого классицизма к рококо и неоклассицизму. Коллекция показывает, как Франция стала законодателем европейского вкуса при Людовике XIV и XV.
Зал 21. Франция XVII века (классицизм)
Ведущий стиль — возвращение к античным и ренессансным идеалам: гармония, ясность, пластика.
Никола Пуссен (основоположник): «Битва израильтян с аморреями» (ранняя, влияние Фонтенбло и Рафаэля), «Ринальдо и Армида» (влияние Тициана), «Великодушие Сципиона», «Пейзаж с Геркулесом и Какусом» (эпический поздний пейзаж).
Клод Лоррен — идеальные классические пейзажи с акцентом на свет и пространство.
Симон Вуэ («Благовещение» — официальное придворное искусство для Ришелье).
Валантен де Булонь («Отречение святого Петра» — караваджизм).
Портретисты второй половины века: Никола де Ларжильер, Франсуа де Труа (аристократический идеал).
Шарль Лебрен (декоративный стиль эпохи Людовика XIV).

Зал 22. Франция первой половины и середины XVIII века (рококо)
Отход от грандиозности Людовика XIV к интимности, галантности и наслаждению («галантный век»). Стиль rocaille — завитки, раковины, пастельные тона.
Антуан Ватто («Бивуак», «Сатира на врачей» — ранние, светлая палитра, новый жанр «галантных празднеств»).
Последователи Ватто: Жан-Батист Патер, Никола Ланкре, Антуан Кийар, Жак Лажу.
Франсуа Лемуан («Похищение Европы», «Спящий амур»).
Франсуа Буше (первый живописец Людовика XV): «Геркулес и Омфала», «Юпитер и Каллисто», «Пейзаж с отшельником (Брат Люс)» — нарядный колорит, округлые формы, декоративность.
Шарль-Жозеф Натуар, Карл Ван Лоо (соперники Буше).

Зал 23. Франция второй половины XVIII — первой трети XIX века
Позднее рококо, переход к натурализму и неоклассицизму (влияние Просвещения, Руссо, раскопок в Помпеях).
Жан-Батист Симеон Шарден («Натюрморт с атрибутами искусств», жанровые сцены — тонкость письма, «жизнь вещей»).
Жан-Батист Грёз (сентиментальные жанры, «Первая борозда», портрет графа Шувалова).
Жан-Оноре Фрагонар («Приготовление обеда», «Шарманщица» — виртуозная лёгкость).
Клод Жозеф Верне, Юбер Робер (пейзажи с руинами).
Жак-Луи Давид («Андромаха, оплакивающая Гектора» — вершина неоклассицизма).
Портреты ампира: Франсуа Жерар (портрет княгини Кочубей), Антуан-Жан Гро (конный портрет князя Юсупова).

Коллекция даёт цельную картину европейского искусства XVII–XVIII веков: от драматического барокко Италии и Испании к изысканному французскому классицизму и рококо. Многие работы — шедевры мирового уровня, а залы часто дополняются скульптурой, декоративно-прикладным искусством и мраморными бюстами (например, работы Джованни Баттиста Фоджини в итальянских залах).

Скульптура и слепки (Итальянский дворик, залы 14–15, 29)

Слепки выполнены с оригиналов в лучших европейских мастерских по заказу Цветаева. Залы 14–15 расположены на первом этаже Главного здания, зал 29 — на втором. Они оформлены в историческом стиле соответствующих эпох, с высокими потолками, естественным светом через стеклянные перекрытия и архитектурными элементами, имитирующими оригинальные интерьеры.

Зал 14: Греческий дворик (античная скульптура и архитектура)
Это один из самых больших и красивых залов музея, посвящённый классическому периоду Древней Греции (V–IV вв. до н.э.). Он воссоздаёт атмосферу афинских храмов и агоры. Здесь представлены гипсовые слепки с ключевых памятников Акрополя и других античных сооружений, а также архитектурные реконструкции в натуральную величину.

Основные экспонаты:
Полноразмерные слепки с рельефов, метоп, фриза и фронтонов Парфенона (447–432 гг. до н.э.) — шедевры классической скульптуры Фидия и его школы, изображающие битвы, шествия панатеней и мифологические сцены.
Портик храма Эрехтейон с кариатидами (одна из кариатид — знаменитая «Девушка с колонной»).
Портик храма Гефеста (Гефестион) на Афинской агоре.
Макет Афинского Акрополя, дающий представление о целом ансамбле.
Отдельные статуи, рельефы и архитектурные детали (в том числе львы, фигуры богов и героев).
Зал создаёт ощущение прогулки по древнегреческому святилищу: колонны, ступени, рельефы на стенах и верхний свет подчёркивают гармонию и величие античного искусства. Это «преддверие» к итальянскому Возрождению, показывающее истоки европейской скульптуры.

Зал 15: Итальянский дворик (средневековая и ренессансная скульптура)
Зал получил название «Итальянский дворик» позже (изначально — «Христианский дворик», поскольку экспонаты отражают христианскую традицию). Архитектура зала — свободная реконструкция внутреннего двора палаццо Барджелло во Флоренции (XIII–XIV вв., ныне музей скульптуры). Здесь угловая лестница на второй этаж, столбы с растительными капителями, балкон, лёгкая аркада, колодец в центре и стеклянный потолок, заливающий пространство светом. Зал двухсветный, высотой в два этажа, что усиливает ощущение открытого дворика флорентийского палаццо.

Основные экспонаты (в основном слепки итальянской, немецкой и французской скульптуры XIII–XVI вв.):
Центральное место занимают два огромных конных монумента XV века — шедевры Раннего Возрождения:
Конная статуя кондотьера Гаттамелаты (Донателло, Падуя, 1445–1453 гг.).
Конная статуя кондотьера Коллеони (Андреа Верроккьо, Венеция, 1479–1488 гг.).
Эти памятники, заказанные Венецианской республикой, воплощают идеал героического человека Возрождения.

Слепок со статуи «Давид» Микеланджело Буонарроти (1501–1504 гг., Флоренция) — один из самых известных и символичных экспонатов музея, шедевр Высокого Возрождения. Гипсовый слепок заказан Цветаевым во Флоренции в 1912 году и стал неофициальным символом Пушкинского музея.
Под лоджиями — немецкая средневековая скульптура (включая слепок Фрайбергского портала кафедрального собора Девы Марии во Фрайберге).
Другие ренессансные работы: рельефы, бюсты, статуи итальянских мастеров (включая элементы от Донателло, Верроккьо и др.), терракоты и декоративная пластика.

Зал иллюстрирует переход от Средних веков к Возрождению: от готической выразительности к гуманистическому идеалу. Это преддверие к залам итальянской скульптуры XV–XVI веков на втором этаже.

Зал 29: Скульптура Микеланджело (итальянское Возрождение XVI века)
Зал посвящён творчеству великого флорентинца Микеланджело Буонарроти (1475–1564) — кульминации и завершению эпохи Возрождения. По замыслу Цветаева, осмотр второго этажа заканчивается именно здесь. Экспозиция состоит из гипсовых слепков (плюс одна мраморная копия) наиболее значимых работ мастера, позволяющих проследить весь его творческий путь — от ранних римских работ до поздних, драматичных.

Основные экспонаты:
Римская «Пьета» (1498–1499 гг., Собор Святого Петра) — ранняя шедевральная работа молодого Микеланджело.
Фигуры для гробницы папы Юлия II (включая знаменитого Моисея, «Рабов»/«Пленников» — Динамичные, напряжённые тела, символизирующие борьбу духа и материи).
Ансамбль гробницы Медичи в капелле Медичи (Сан-Лоренцо, Флоренция): статуи Джулиано и Лоренцо де Медичи, аллегорические фигуры «День», «Ночь», «Утро» (Аврора), «Вечер» (Крескус).
«Положение во гроб» (или поздняя «Пьета Ронданини» — в зависимости от конкретной экспозиции; подчёркивает трагизм позднего периода).

Зал подчёркивает гениальность Микеланджело как скульптора, архитектора и поэта: мощь форм, драматургия, анатомическая точность и философская глубина. Слепки выполнены с особой тщательностью по заказу Цветаева у лучших мастеров.

Общее значение коллекции
Эти залы — не просто выставка, а целостный образовательный и эстетический проект Цветаева. Посетители буквально «гуляют» по истории скульптуры: от античной гармонии (зал 14) через средневековую духовность и раннее Возрождение (зал 15) к вершине — Микеланджело (зал 29). Коллекция включает тысячи слепков по всему музею, но эти залы — её «сердце». Многие экспонаты (как Давид) стали иконами музея.
Практические советы: Зал 29 иногда временно закрывается по техническим причинам (проверяйте на сайте pushkinmuseum.art). Вход в Главное здание — по билетам; экспозиция бесплатна для определённых категорий. Залы особенно эффектны при естественном освещении днём.

Дополнительные коллекции в главном здании

1. Коллекция графики
Графика — одна из самых объёмных и богатых коллекций музея: 375 282 единицы хранения (на конец 2023 года). Это рисунки, акварели, гравюры, офорты, литографии и другие произведения на бумаге.
История формирования
Отдел графики (Отдел эстампов и рисунков) основан в 1924 году, когда музей получил собрание Гравюрного кабинета Московского публичного и Румянцевского музея. Основу составила коллекция Дмитрия Ровинского — около 40 тысяч листов русской гравюры XVI–XIX веков. В дальнейшем фонд пополнялся за счёт Государственного музейного фонда, передач из Эрмитажа, Третьяковской галереи, Исторического музея, частных собраний (Щукин, Морозов, Остроухов и др.), а также поступлений советского периода. В 1948 году коллекция значительно выросла после передачи собрания Государственного музея нового западного искусства.

Состав и структура
Коллекция делится на подколлекции:
Графика восточная;
Графика западная;
Графика русская;
Графика Отдела личных коллекций;
Архивы (например, Н. Н. Наседкина и А. Ю. Митлянской).

В ней представлены произведения с XV века до современности. Ключевые шедевры включают работы Альбрехта Дюрера, Лукаса Кранаха Старшего, Рембрандта, Рубенса, Джованни Баттисты Тьеполо, французских импрессионистов и постимпрессионистов (Ван Гог, Дега, Матисс, Пикассо и др.), а также русских мастеров (А. Бенуа, К. Брюллов, М. Врубель, И. Репин, В. Серов и др.). Есть отдельные виртуальные экспозиции:

Британская гравюра XVIII–XIX веков;
Гравюра в России XVIII — первой половины XIX века;
Немецкая гравюра (Альбрехт Дюрер и его учителя);
Японская гравюра XVIII–XIX веков.

Коллекция охватывает все основные техники и школы европейского, русского и восточного искусства. Она особенно ценна для изучения истории печатной графики и рисунка.

2. Коллекция нумизматики
Нумизматическая коллекция — одно из крупнейших собраний в России европейского уровня: более 200 000 предметов (по разным источникам 178–220 тысяч на 2023–2025 годы) плюс около 3000 томов специальной библиотеки.
История формирования
Собрание ведёт начало от Кабинета изящных искусств Московского императорского университета. В 1888 году коллекцию разделили между Историческим музеем и Музеем изящных искусств. С 1912 года античная и западноевропейская нумизматика поступила в Музей. Нумизматический кабинет открыли в 1925 году (на хорах Белого зала). В 1930-е годы фонд пополнили частные коллекции (А. Г. Голиков, В. В. Розанов, Е. А. Пахомов и др.). В 1945 году кабинет стал самостоятельным Отделом нумизматики.

Состав и разделы
Коллекция делится на четыре основных раздела:
Античная (около 28 500 экз.);
Восточная (около 28 000 экз.);
Западноевропейская (около 68 000 экз.);
Русская (около 61 700 экз.).

Отдельно выделяют около 35 000 слепков с резных камней (гемм). В собрание входят монеты, медали, ордена, нагрудные знаки, боны (бумажные деньги), геммы, печати и слепки. Есть археологические материалы (например, клад кушано-сасанидских монет из Центральной Азии).
Коллекция иллюстрирует историю денежного обращения, медальерное искусство (особенно эпохи Возрождения) и ювелирное дело. Доступна виртуальная экспозиция на сайте coins-and-medals.pushkinmuseum.art.

3. Коллекция декоративно-прикладного искусства
Декоративно-прикладное искусство (включая предметы быта и этнографии) насчитывает 23 444 единицы хранения (на конец 2023 года). Художественная часть европейского декоративно-прикладного искусства оценивается примерно в 2000 предметов (по более ранним данным).
История и особенности
Коллекция формировалась параллельно с картинной галереей — за счёт передач из музейного фонда, частных собраний и международных поступлений. Значительная часть связана с развитием экспозиции западноевропейского искусства в XX веке. В 2014 году музей начал целенаправленно создавать коллекцию современного дизайна и декоративно-прикладного искусства.

Состав
Включает:
Художественный металл, фарфор, стекло;
Предметы интерьера, мебели, дорожного быта;
Элементы одежды и убранства;
Майолику XVI века (блюда, альбареллы, тарелки с гербами и мифологическими сюжетами);
Часы, канделябры, вазы, подсвечники (работы П. Томира, А. Моро, Л. Адама, С. Дали и др.);
Работы М. А. Врубеля и других мастеров.

Отдельные подколлекции — декоративно-прикладное искусство Отдела личных коллекций и художественная фотография (фонд Э. Адан).
Коллекция разнообразна по материалам (бронза, фарфор, стекло, драгоценные металлы, камень, кость) и эпохам (от Средних веков до XX–XXI веков). Она дополняет живопись и скульптуру, показывая прикладное искусство в контексте стилей и исторических периодов.